девочка в поле картина в эрмитаже
31. Людвиг Кнаус. Девочка в поле
ИЗ СБОРНИКА «РАССУЖДЕНИЯ О ЖИВОПИСИ».
В середине 19-го века сложился и громко провозгласил свои принципы художественный реализм.
Очень трудно было выбрать живописный пример для этой темы. Реализм 19-го века очень разнообразен и представлен таким огромным количеством художников, что для раскрытия темы потребовалось бы немало глав.
Для этой главы я выбрал произведение немецкого художника Людвига Кнауса «Девочка в поле». Я выбрал его потому, что оно не принадлежит явно ни к реализму приземлённому, обывательскому, ни к реализму критическому, ни к подчёркнуто грубому натурализму, ни к сухим копировальным «прописям» академических реалистов. Его среднее положение в этом множестве реалистических школ очень удобно для общего представления о реализме без неуместной здесь искусствоведческой конкретики.
Жизнь до такой степени бесконечна вглубь, что простое «фотографическое» копирование, конечно, не выразит и самой малой части её содержания. Вот художники и ищут самые разные, самые ухищрённые приёмы передачи этой реальности, и очень-очень часто какое-либо отступление от «фотографического» подобия, наоборот, гораздо глубже открывает то, что действительно есть, но при буквальном копировании не видно.
Таким образом, дело не в манере. Вот почему, когда говорят о реализме как о направлении в искусстве, имеют в виду не манеру, а просто отход искусства от внеземной мистики, от парадного приукрашивания владык, от поиска выдуманных романтических идеалов и поворот внимания к действительной жизни простых людей, какая бы она ни была. То есть подразумевают не реализм манеры, а реализм темы.
Этот переход искусства произошёл в очень широком масштабе именно в 19-м веке. Почему? Здесь не место разводить политическую философию, но, очевидно, потому, что именно к этому времени человечество упёрлось в проблемы, решение которых прямо зависит от правильного понимания жизни общества.
Реалистическое направление искусства наиболее трудное, но и наиболее сильное. Найдутся люди, которые возразят. Как реалистическое направление может быть самым трудным, если оно просто берёт из того, что вокруг нас, тогда как другим направлениям приходится выдумывать, изобретать? Как оно может быть самым сильным, если то, что оно даёт, мы и без него видим вокруг и давным-давно привыкли к этому? Не сильнее ли те художники, которые дают нам небывалое и невиданное?
Отвечаю. Трудность реалистического искусства заключается именно в трудности превращения обыденного в художественный образ. Выдумать рогатого и трёхглазого космического пришельца гораздо легче, чем догадаться, что обычные паруса можно окрасить в алый цвет. Сила же этого искусства в том, что оно создаёт у всех абсолютную уверенность в действительном, несомненном, реальном существовании этого поэтического образа в нашей с вами жизни.
Нет сильнее искусства, чем реалистическое, если оно умело переплавлено в образ.
Девочка в поле картина в эрмитаже
«Девочка на шаре» и другие: 10 шедевров на выставке Морозовых, которые привезли в Петербург из Москвы
В Главном штабе Эрмитажа открылась выставка «Братья Морозовы. Великие русские коллекционеры». «Фонтанка» рассказывает, какие шедевры приехали в Петербург из Москвы специально для этого проекта.
Ради выставки Михаила и Ивана Морозовых в Эрмитаж из московского ГМИИ им. А.С. Пушкина привезли 31 картину. Кроме того, портреты самих коллекционеров предоставила Третьяковская галерея. В Главном штабе открыли музыкальный салон, воссоздающий интерьеры одноименного зала в особняке Ивана Морозова в Москве. «Фонтанка» предлагает вспомнить главные шедевры собрания Морозовых, которые обычно можно увидеть только в столице.
1. «Бульвар Капуцинок в Париже» Клода Моне. 1873.
Картину, передающую вид из окна ателье Надара, показали на первой выставке импрессионистов в 1874 году — той самой, что была разгромлена критикой, и после которой появился сам термин «импрессионизм». Иван Морозов приобрел «Бульвар Капуцинок…» на три десятилетия позже у торговца картинами Поля Дюран-Рюэля, изначально верившего в новое художественное направление, и потому торговавшего импрессионистами по цене уже признанных художников. В 1907 году картина обошлась русскому коллекционеру в 40 тысяч франков.
2. «Портрет актрисы Жанны Самари» Огюста Ренуара. 1877.
Молодая актриса театра «Комеди Франсез» Жанна Самари до своего замужества жила недалеко от мастерской Ренуара на улице Фрошо и нередко позировала художнику. В Эрмитаже есть другой ее портрет, ростовой, написанный годом позднее — на выставке братьев Морозовых они экспонируются вместе. Полотно из ГМИИ до 1903 года находилось в собрании Поля Лагарда (мужа актрисы, сына биржевого брокера) в Париже, потом картину приобрел коллекционер Поль Дюран-Рюэль за 13 тысяч франков. А уже в 1904 году за 25 тысяч франков картину купил Иван Морозов.
3. «Кафе в Арле» Поля Гогена. 1888.
Картина появилась после того, как Гоген и Ван Гог отправились вместе в привокзальное кафе, где уговорили хозяйку заведения мадам Жину выпить с ними кофе. Естественно, лишь для того, чтобы нарисовать женщину за столиком. Гоген угольной палочкой (для скорости) зарисовал портрет, а сюжет вокруг выстроил уже свой — о жизни ночного кафе. Хозяйка заведения в его интерпретации сыграла роль своего рода «любительницы абсента» — но об этом она вряд ли узнала, потому что картина в окончательном виде была создана уже после отъезда Гогена из Арля. Коллекционер Иван Морозов приобрел полотно в Галерее торговца искусством Амбруаза Воллара, поддерживавшего неизвестных художников, в 1908 году. Где находилась работа до той поры — неизвестно.
4. «Девочка на шаре» Пабло Пикассо. 1905.
Картина написана в период творчества художника, переходный от «голубого» к «розовому»: речь как о предпочтительном выборе красок, так и о характере тем — после изображения печали и нищеты, человеческих страданий, художник обнажается к миру театра и цирка, одиночества странствующих комедиантов. Хрупкая фигура гимнастки, неустойчиво держащейся на шаре, противопоставляется грузной фигуре атлета, сидящего на кубе.
Произведение приобрела у художника в Париже в 1907 году американская писательница Гертруда Стайн, у которой картину выкупил галерист и историк искусства Даниэль Анри Канвейлер. Он в 1913 году перепродал ее в своей галерее Ивану Морозову — вместе со «Стволами деревьев» Андре Дерена.
5. «Арлекин и его подружка» («Странствующие гимнасты») Пабло Пикассо. 1901.
Герои картины — циркачи, пришедшие в парижское кафе, где их нанимали на работу. Их трагический образ — символ нелегкой судьбы людей, посвятивших себя творчеству. Картину у художника приобрел Амбруаз Воллар, а у того в 1908 году ее купил Иван Морозов. Цена полотна была удивительно низкой — всего 300 франков.
6. «Марокканский триптих» Анри Матисса, включающий в себя «Вид из окна. Танжер», «Зору на террасе» и «Вход в касбу». 1912.
Этот триптих художник составил непосредственно для коллекционера Ивана Морозова из своих картин, написанных во время путешествия в Северную Африку. Героиня центральной картины — сотрудница марокканского отеля по имени Зора, часто позировавшая художнику. Картины Морозов приобрел в апреле 1913 года близ Парижа, в Исси-ле-Мулино.
7. «Белая ночь. Осгардстран (Девушки на мосту)» Эдварда Мунка. 1902-1903.
Сюжет, написанный в городке неподалеку от Осло, — один из самых популярных в творчестве художника. Всего было написано семь авторских версий картины, они находятся по всему свету, первый вариант автор создал в 1900-1901 годах. Работа из собрания ГМИИ написана специально для парижского Салона Независимых 1903 года. На этом салоне картину и приобрели для российской коллекции.
8. «Лето в Нормандии» Пьера Боннара. 1912.
Эту работу художник написал на своей вилле «Ма Рулетт» неподалеку от Вернона, изобразив своих домашних, включая питомцев (например, собачку на руках у дамы в шезлонге зовут Убю). В 1913 году у художника эту картину приобрела парижская галерея Бернхейм-Жён. Холст еще пару раз перешел из рук в руки в течение года, и, наконец, в галерее Дрюэ его нашел Иван Морозов, купив за шесть тысяч франков.
9. «Портрет Ивана Абрамовича Морозова» Валентина Серова. 1910.
Знаменитому живописцу Валентину Серову, давно создавшему к тому моменту уже и «Девочку с персиками», и другие работы, портрет Ивана Морозова никак не давался. Понадобилось 16 сеансов, чтобы поймать особенности модели — позу, мягкость черт, усталое выражение глаз. При этом за спиной коллекционера автор изобразил одну из его покупок — натюрморт «Фрукты и бронза» Анри Матисса. Скорее всего, на его фоне Морозов, и правда, позировал.
10. «Портрет Михаила Абрамовича Морозова» Валентина Серова. 1902.
Михаила Морозова, промышленника, коллекционера и литератора, старшего брата Ивана Морозова, Серов писал на фоне мраморного камина в особняке на Смоленском бульваре. Двухметровая работа обошлась заказчику всего в одну тысячу рублей, притом портрет был написан, как отмечали современники, фактически накануне кончины коллекционера — в 1903 году того не стало в возрасте всего 33 лет.
Выставка с участием московских произведений пробудет в Петербурге до 6 октября. Параллельно в Москве проходит выставка, на которую произведения из своей коллекции предоставил Эрмитаж: на ней показывают собрание коллекционера Сергея Щукина. Туда, в частности, уехал «Танец» Анри Матисса. Известно, что после этого музеи выставками «поменяются», но сроки приезда щукинской выставки в Петербург пока не анонсированы.
Узнать подробности о собраниях Щукина и Морозовых и побывать в виртуальном Музее нового западного искусства, где предметы коллекции выставлялись с 1923 по 1948 годы, можно на сайте.
«Танец»: почему картина Анри Матисса доводила публику до белого каления
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
В 1908 году в мастерскую к Анри Матиссу заглянул русский промышленник и коллекционер Сергей Щукин. Он сделал художнику заказ на несколько картин для украшения своего московского особняка. Щукину хотелось получить что-то эдакое на тему танца и музыки. Матисс с радостью согласился, ведь в его голове уже довольно долгое время зрела идея некой аллегории на танцы.
При написании картины художник вдохновлялся русскими сезонами популярного на тот момент Сергея Дягилева, раскрепощенными танцами Айседоры Дункан, греческой вазовой живописью. Почти 4-метровое полотно изображали танцующих в хороводе девушек. Несмотря на то, что мастер упростил их изображение почти что до схематизации, все равно он смог передать экспрессию через цвета (хоть их было все три). Красный символизировал собой внутренний жар человека, объединяющий собой небо и землю, представленных синим и зеленым оттенками. Сам же хоровод олицетворяет экспрессию безумного XX века.
Кроме «Танца», художник написал картину в том же стиле «Музыка». Третье полотно под название «Купание, или Медитация» осталось незаконченным.
Перед тем, как отправить два полотна в Москву, их выставили на всеобщее обозрение в Осеннем салоне в Гранд-Пале. Несмотря на то, что в начале XX века художники, скульпторы и прочие творческие личности позволяли себе экспериментировать и переходить рамки дозволенного, картины Матисса вызвали бурю эмоций и негодования у публики. Простые небрежные линии, всего лишь три доминирующих цвета и (верх неприличия!) неприкрытые гениталии.
Сергея Щукина обвинили в безвкусице, назвали его собирателем мусора и чуть ли не сумасшедшим. Коллекционер испугался такого натиска и отказался забирать картины. Но уже через несколько дней, будучи на полпути в Москву, Щукин прислал Матиссу телеграмму с просьбой все-таки выслать ему картины. Он просил у художника прощения за свою слабость и трусость, но «причинные» места нужно было все-таки зарисовать.
После наступления Октябрьской революции и прихода к власти большевиков Сергей Щукин в спешке покидает Россию, но картины пришлось оставить. Полотна коллекционера отправились в Эрмитаж.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
Искусствовед о появлении в Эрмитаже Мадонны Рафаэля из Лувра: «Это и для России очень важная вещь»
Полотно, также известное под названием «Прекрасная садовница», можно будет увидеть с 21 июля.
Картину «Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем» Рафаэля привезли в Эрмитаж из Лувра. Полотно, также известное под названием «Прекрасная садовница», написано художником во Флоренции в 1507 году. Теперь шедевр эпохи Возрождения можно будет увидеть и в Петербурге. С 21-го числа он будет представлен в Аполлоновом зале Зимнего дворца. Насколько это важное событие, НЕВСКИМ НОВОСТЯМ рассказал искусствовед, куратор выставок, научный сотрудник Эрмитажа Василий Успенский.
«Прекрасная садовница» должна была прибыть в Северную столицу еще в декабре 2020 года, но коронавирус нарушил эти планы. Тогда в Эрмитаже действовала приуроченная к 500-летию со дня смерти титана Возрождения выставка «Линия Рафаэля». На одном из плакатов экспозиции рафаэлевскую Мадонну объединили с картиной «Сенокос» Алексея Венецианова. Вдохновленный гением эпохи Возрождения российский художник представил Мадонну в образе простой крестьянки, кормящей младенца прямо в поле.
«Поэтому это и для России важная вещь, потому что это был такой общеевропейский идеал человечности, из которой уже Венецианов сделал вариант, поэтому это вот такое воплощение возвышенности и вместе с тем человечного идеала, который был в центре европейской культуры на протяжении долгого времени. Может быть, сейчас, в эти трудные времена, эта картина прозвучит как весть из прекрасного прошлого», — рассказал Василий Успенский.
Сотрудник Государственного Эрмитажа рассказал, что договориться с Лувром до пандемии было нетрудно, а вот потом — сложнее. Французские музейщики очень строго придерживались запретов, и поэтому получить картину во время выставки не удалось.
«Тем не менее они от своих обещаний не отказывались. Даже одна работа — это очень важное событие. Сложности были, но сейчас уже меньше. У нас готовится к выходу большой каталог «Линия Рафаэля», вот это тоже предстоит, может, к сентябрю», — поделился искусствовед.
Ранее НЕВСКИЕ НОВОСТИ рассказали, что Государственный Эрмитаж завел аккаунт в социальной сети TikTok. Музей каждый день размещает по одному ролику, первый из которых уже собрал свыше 3 миллионов просмотров. На видео под названием «Эрмитаж в TikTok. » запечатлена впорхнувшая в здание Эрмитажа девушка-танцовщица.
Девочка в поле картина в эрмитаже
Эрмитаж представляет энциклопедию наготы
В Петербург впервые приехала «Олимпия» Эдуарда Мане — картина, на вывоз которой за пределы Франции требуется разрешение президента. В Эрмитаже ее решили показать в контексте других произведений XIX века на столь же пикантный сюжет.
С 30 июля посетители Главного Штаба Государственного Эрмитажа могут увидеть одно из самых знаменитых полотен в истории мировой живописи — картину Эдуарда Мане «Олимпия» 1863 года. До 30 октября этот шедевр, один из самых скандальных в истории живописи XIX века, будет выставлен в окружении других работ, раскрывающих тему «обнаженной натуры». Это «Даная» Тициана, рисунок Франсуа Буше «Спящая молодая женщина» и два десятка гравюр – уже из коллекции петербургского музея. В том числе карикатуры. К открытию экспозиции «Фонтанка» выбрала 10 фактов об «Олимпии», зная которые будет интереснее отправляться на выставку.
1. Первый скандал Мане. «Олимпия» была не первой картиной Эдуарда Мане, вызвавшей скандал. Всего за год до ее появления художник предложил на Парижский салон — официальную регулярную экспозицию французской Академии изящных искусств — полотно «Завтрак на траве».
Жюри не допустило картину на выставку, и она угодила на «Салон отверженных» – экспозицию, параллельную официальной. Работа вызвала гнев публики: рядом с одетыми мужчинами на ней была изображена обнаженная женщина. Однако такая реакция не смутила Эдуарда Мане и вскоре он создал еще одно полотно при участии той же натурщицы, и снова представленной на картине в обнаженном виде. Это была «Олимпия».
2. Неприкрытая нагота. Конечно, и до «Олимпии» художники регулярно изображали обнаженную натуру, но делали это под «прикрытием» мифологических сюжетов. Обнаженной могла быть Венера или Даная — но не современница зрителей. На обнаженной Олимпии тапочки и украшения — те же, что могла приобрести в лавке любая из посетительниц выставки.
3. Венера наоборот. Картина Мане сюжетно перекликается с полотном Тициана «Венера Урбинская», которая считается преданности и чистоты. Олимпия лежит примерно в той же позе, что и тициановская Венера, на обеих полотнах есть второстепенные лица.
Но у Тициана это две девушки, занимающиеся подготовкой приданого, а у Мане – негритянка с букетом цветов от поклонника, а в ногах у Олимпии вместо символа верности – собачки, которая свернулась клубком на картине Тициана, черная кошка с поднятым кверху хвостом, вполне очевидный символ порока.
4. Олимпия — дама полусвета. Зрители того времени четко считывали имя героини этой картины. Дело в том, что за полтора десятилетия до того, как она была написана, вышел роман Александра Дюма о несчастной куртизанке Маргарите Готье «Дама с камелиями», в котором Олимпией звали соперницу главной героини. «Такого рода экзотические имена появлялись у дам определенного круга, представительниц первой древнейшей профессии — они были для них как сценические псевдонимы, – рассказывает куратор выставки Альберт Костеневич. – И имя Фрина тоже при крещении не давалось. У нас на выставке рядом висят две гравюры – одна «Олимпия», а другая «Фрина». Вы помните «Фрину. » Генриха Семирадского в Русском музее — это колоссальная картина, с которой, собственно и Русский музей начался: пришел Александр III, увидел эту Фрину, тут же ее купил и сказал, что надо основать музей».
6. Кто позировал для «Олимпии»? Натурщицей для картины послужила Викторина Мёран, с которой часто работал Эдуард Мане. Она сама была художницей и музыкантом, выросла в семье гравера, а ее дядя был скульптором. При этом, по свидетельствам современников, она разговаривала, как уличные женщины. Викторина становилась моделью Эдгара Дега и других менее известных современников. Бывала в Америке, брала уроки живописи, имела любовниц, а с возрастом пристрастилась к алкоголю, попрошайничала в барах и ресторанах, в том числе, с обезьянкой. Впрочем, также бытовала версия, что моделью для «Олимпии» Мане послужила другая женщина — любовница императора Наполеона III Маргарита Белланже.
7. С глаз долой. В отличие от «Завтрака на траве», «Олимпия» Мане все же была выставлена на Парижском салоне 1865 года. От чего современники, накачанные критикой, приходили в ярость.
Однако, по правилам салона, отобранную жюри картину удалить с выставки до окончания сроков экспонирования было нельзя. Тогда к картине сначала приставили двух стражей, которые охраняли ее от бесчинств публики, а затем и вовсе перевесили в самый дальний зал, к тому же – на недосягаемую высоту.
8. Подарок государству. После Парижского салона «Олимпия» пролежала в мастерской художника никому не нужной почти четверть века – ее никто не хотел покупать. Лишь в 1889 году на выставке по случаю 100-летия Французской революции картину пожелал купить для своего собрания богатый американец. Но друзья Эдуарда Мане и его коллеги приняли решение не допустить утраты Францией этого шедевра и выкупили его сами у вдовы художника. Чтобы потом подарить государству (а подаренные и принятые музеем работы, согласно закону, должны были обязательно выставляться, на что они и рассчитывали). Сначала она попала в запасники Люксембургского дворца, оттуда — в Лувр, а оттуда, уже в 1947 году, была перенесена в открывшийся Музей импрессионизма – Musée d’Orsay.
9. Карикатуры на «Олимпию». «Ни на одну картину не создавалось так много карикатур, как на «Олимпию», – рассказывает куратор выставки Альберт Костеневич. – Я здесь поместил только три из двух-трех десятков, которые можно было бы собрать. Но они по большей части даже малохудожественные – они просто злобные, их и собирать особенно не стоило. Другое дело — когда откликнулся Оноре Домье, тоже великий мастер. Домье не высмеивает Мане нисколько, он высмеивает публику. В карикатуре изображен забавный диалог: семейство стоит перед картиной — сама картина не показана, в отличие от других карикатур, и идет диалог: «Какого черта эта толстая рыжая баба называется «Олимпией»? А жена ему отвечает: «Но друг мой, так зовут эту черную кошку».
10. Олимпия — Джордж Буш. Карикатуры на «Олимпию» продолжают рисовать и в наше время. В частности, в 2004 году прогремел скандал в Соединенных Штатах, когда в экспозиции вашингтонского городского музея появилось изображение обнаженного Джорджа Буша-младшего в позе Олимпии, а ему на подносе человек, похожий на вице-президента Дика Чейни, предлагал корону и мини-нефтяную вышку.
В скором времени работа Кейти Дидриксен «Человек досуга. Король Джордж» была удалена с выставки. Естественно, в Эрмитаже ее тоже не будет.