Что нужно брать на композицию в художку
Список необходимых материалов для художественной школы
(о приобретении конкретных необходимых материалах по возрасту учащихся обязательно уточнять у ведущих преподавателей)
1. ПАПКА для черчения «ГОЗНАК», без рамки формат А3 (297×420) с белой бумагой – 24 листа. Для определённых работ по предметам рисунка, композиции бывают необходим формат А2.
2. Папка с бумагой для акварели формат А3(297×420), 10 л., 20 листов. Для старших детей формат А2.
3. Планшет для пастели «Бабочка» (бумага для пастели тонированная) формат А3, 20 листов — 4 цвета. Пастельная бумага делится на теплую и холодную гамму, на бледные и яркие, на светлые и темные цвета. Продаётся папками (планшетами) и по штучно. Приобретая пастельную бумагу посоветуйтесь с педагогом, какой цвет или тон необходим на данное занятие.
4. Чтоб прикрепить любой лист к мольберту — будет необходим молярный скотч любой ширины. Он легко рвётся руками и не повреждает структуру бумаги при снятии с мольберта.
5.Любая цветная бумага, цветной картон для поделок необходим детям от 5 до 10 лет.
6. Карандаши простые «KOH-I-NOOR». Детям от 5 до 8 лет достаточно простого карандаша 2В. С 9 лет занимаясь по предмету «Рисунок» необходим набор простых карандашей — H, НB, В, 2В, 3В, 4В, 5В, 6В, 7В, 8В.
Разница между карандашами рядом стоящими не велика и лучше их поделить на четный и нечетный ряд
H, НB, 2В, 4В, 6В, 8В.
H, НB, В, 3В, 5В, 7В.
Чем мягче карандаш, тем быстрее он списывается.
7. Карандаш угольный «KOH-I-NOOR». Необходим для работы учащимся от 9 лет. Угольные карандаши различаются по мягкости. Ещё есть такие материалы как сангина, сепия, соус. Все эти материалы применяются для графических работ по рисунку и используются для набросков и зарисовок.
8. Ластик (белый) для простых карандашей (лучше «Factis» или «KOH-I-NOOR»). Главное в ластике чтоб он не ломался (не крошился) в руках, был мягок и эластичен.
Клячка для стирания пастели и снятия излишек графита. Лучше брать клячку серого цвета, она должна быть мягкая эластичная.
9. Точилка для простых карандашей – чтоб точила карандаш, была удобна в руке.
10. Гуашь в наборе серии «МАСТЕР-КЛАСС», «ГАММА – СТУДИЯ»: 12 цветов по 40 мл. Для 5-6 летних детей можно приобрести гуашь 20 мл., но родителям надо внимательно следить какой цвет подходит к завершению и своевременно его пополнять.
11. Цвета белый, желтая и охра в работе расходуется быстрее и в магазинах можно приобретать необходимую гуашь по штучно.
Белила цинковые «МАСТЕР-КЛАСС» (гуашь) 100 мл. или 40 мл.(2-3 банки).
Желтая, желтая светлая «МАСТЕР-КЛАСС» (гуашь) 100 мл. или 40 мл.
Охра, охра золотистая «МАСТЕР-КЛАСС» (гуашь) 100 мл. или 40 мл.
Эти цвета лучше держать в запасе, а не искать в последний момент перед занятием.
12. Акварельные медовые краски «Луч» или «Гамма» от 12 до 24 цв. востребованы для работы детям от 5 до 11 лет. Вложенные в них кисти очень малы для работы на больших форматах А3. Поэтому кисти необходимо подбирать отдельно.
13. Краски художественные акварельные (на выбор): «С-Петербург» 24 цв. в пласт. коробке или «Ленинград» или «Сонет» или «Ладога» от 12 цв. и более необходимы детям с 11 лет и старше.
Как и гуашь, так и акварель необходимые цвета продаются в магазинах поштучно. При правильном уходе за гуашью и акварелью срок работы увеличивается.
14. Кисти художественные:
Для детей в возрасте от 5 до 11 лет работая медовыми акварельными красками достаточно 1 кисти (белка, пони, колонок) № 5 или № 6 или № 7.
Работая акварельными красками детям от 11 лет необходимы профессиональные кисти «Sonnet», «Художник», «Байкал» в количестве 3 шт: № 5, № 7, № 9.
15. Кисти из синтетики плоские из серии «Профи», «Байкал» № 18 или 20, № 9 или 10, необходимы для работы гуашью.
Для проработки мелких деталей в работах желательно использовать круглые синтетические кисти № 3, № 5, № 6.
16. Палитра пластиковая белая (плоская, без ямочек) или подойдет пластиковая плоская доска (белая) для лепки.
17. Цветные карандаши – мягко пишущие, яркие, насыщенные цвета, главное, чтоб не сыпался графит.
18. Карандаши акварельные цветные «KOH-I-NOOR» MONDELUZ: 18 цветов до 36 цветов (по требованию преподавателя).
19. Набор фломастеров 24 цвета для детей от 5 до 10 лет, маркеры разной толщины, текстовыделители разных цветов.
20. Дети от 11 лет выполняют ручкой шариковой или гелиевой черной и черным маркером-перманентом графические работы, где важную роль играет толщина линий от самой изящной тонкой до самой толстой.
21. Пастель масляная мягкая от 5 лет и старше, яркие наборы 12 цв. или 24 цветов или 36 цветов.
22. Пастель сухая «Olki» или «Сонет» от 16 до 36 цветов
Сухая пастель делится на:
1. Портрет – телесно-бежевые – коричневые оттенки.
2. Пейзаж – коричнево-зелёные оттенки.
3. Ассорти – все цвета, более яркие.
Для детей от 11 и старше необходимы спокойные, сдержанные тона, рекомендуем брать пастель № 1 и № 2 (портретные и пейзажные оттенки).
23. Пластилин восковой «Премиум» 12 цветов для пластилиновой живописи
Пластилин «Луч» — для поделок
24. Ножницы.
Для детей в возрасте от 5 до 7 лет лучше подобрать ножницы с тупыми концами. Уважаемые родители убедитесь сами, что ножницы режут бумагу, картон и ваш ребёнок сможет отрезать заданный кусок бумаги. Не забывайте и про леворуких детей!
Также существуют фигурные ножницы.
Для более старших детей необходимо чтоб ножницы были с более длинными концами, резали не только бумагу, картон, но и различные текстуры ткани.
25. Сухая салфетка (тряпочка — х/б) необходима на каждое занятие по живописи и композиции! Она нужна для промакивания кистей и прочего!
26. Пластика «Цветик» для ЗАПЕКАНИЯ. Наборы от 6 цв. до 12 цв., а также продаются наборы определённого цвета.
27. Глина вакуумная. Существуют различные цвета: белая, красная, серая – можно приобретать любую. Фасовка одного пакета глины бывает от 1 кг. До 2,5 кг. Консистенция глины – должна быть как пластилин (при надавливании пальцем руки – должен остаться отпечаток).
28. Акриловые контуры – по требованию преподавателей, используются на занятиях ДПК, Скульптуры, Основы дизайна – это роспись по ткани, по стеклу, по керамическим изделиям.
29. Клей момент «Кристалл», клей ПВА, клей-карандаш.
Самое главное, чтоб клеящий карандаш был не засушен, ПВА – не был жидкой водицей.
Расписание занятий
 |  |
Сведения об образовательной организации
С 1 сентября во всех регионах России стартует программа «Пушкинская карта».
Все жители страны от 14 до 22 лет смогут получить карту, которой можно оплатить билеты в федеральные, региональные и частные учреждения культуры. Подробнее на сайте КУЛЬТУРА.РФ
Круглосуточная телефонная линия «Ребёнок в опасности»: 8 (383) 363-58-08
и для абонентов сотовых сетей: 123
Контактная информация
МБУДО детская художественная школа №3 «Снегири»
Адрес: 630119, г.Новосибирск, ул.Петухова, 122/2
Телефон: 8 (383) 304-50-67
E-mail: artschool3@mail.ru
dhsh3-snegiri@yandex.ru
Персональные данные, размещенные на сайте, размещены с согласия субъекта персональных данных. Копирование материалов сайта разрешено только с письменного согласия администрации сайта.
Декоративная композиция в художественной школе: 7 ключевых тем с подробным описанием
1. Изобразительные средства для создания декоративной композиции: точка, линия, пятно.
На начальном этапе обучающимся можно давать простые задания, в которых используются только два цвета — чёрный и белый. С помощью линий и пятен ученики могут изобразить всё, что угодно — растения, животных, насекомых, деревья, предметы быта и интерьера, человека. Главное условие, чтобы при этом они использовали только контуры и силуэты. Т. е. рисовали линией и заполняли силуэты сплошным цветом — в нашем случае чёрным. Такое ограничение побудит их развивать образное и ассоциативное мышление. Здесь нет промежуточных тонов — тёмно-серых, светло-серых. нет объёма. Также, можно сначала дать задание пользоваться только линией. А потом дать задание в котором можно пользоваться только пятном (силуэтом). 
После, можно сочетать и линию и силуэт. Такие упражнения помогают развивать образное мышление, которое лежит в основе декоративного искусства. В декоративной композиции чаще всего используется плоскостное решение, где отсутствует объём и пространство. Поэтому вышеуказанные упражнения хорошо помогут начинающим художникам в начале освоения декоративного искусства.
2. Ритм в композиционном построении: симметрия, ассиметрия, статика, динамика, сгущение и разрядка.
При выполнении предыдущих заданий, обучающиеся столкнутся с необходимостью размещать контуры и силуэты таким образом, чтобы это было интересно. Чтобы не было пустоты в листе, и не было тесно. Вот здесь как раз и нужно будет объяснять начинающим художникам про ритм. Ритм можно увидеть в чередовании форм, цвета, разных тонов, в чередовании и размещении различных объектов, а значит ритм есть везде — и в станковой композиции и в декоративной. Подобно ритму в музыке, ритм в изобразительном искусстве оживляет композицию. Если например стволы деревьев расположить в рисунке на одинаковом расстоянии друг от друга, то это будет скучно и неестественно. А если нарисовать одно дерево ближе к другому, третье дальше от предыдущего, то образуется как бы мелодия: ближе — дальше, крупнее — меньше, реже — чаще… То же самое применимо и к декоративной композиции.
Ещё очень важно передавать ритм в размерах различных объектов. Например, в натюрморте чаще всего ставят предметы по такому правилу: большое, среднее, малое. Т. е. предметы должны быть разной величины, разного размера. Это делает постановку интересной и динамичной. То же самое «правило трёх размеров» можно применить даже в рисунке дерева. К примеру, промежутки между листочками дерева т. е. просветы, где виднеется небо могут быть крохотными, среднего размера, очень крупные. Ветви дерева будут малые, средние, большие. И тут нужно не просто срисовывать дерево с натуры, а руководствоваться этим правилом и даже где-то изменять натуру, не копировать её.
Также следует отметить, что существует два основных типа композиционного построения — симметричный и ассиметричный. Симметрия — это когда правая и левая стороны одинаковы. Ассиметрия — это когда они разные. Если применить это к композиции, то композиционный центр может располагаться по буквальному центру листа, а может быть смещён в правую или левую стороны. Таким образом, художник может создать ощущение динамичности (движения) в композиции, а может создать и ощущение статики (неподвижности). Ведь симметрия ассоциируется со статичностью, а ассиметрия с динамичностью. Используя этот принцип можно создавать интереснейшие ритмы в любых видах композиции — как в декоративной, так и в станковой.
3. Понятие образа. Стилизация и художественная трансформация.
Образ — это подобие воспроизводимого обекта, где передаются лишь некоторые из его характеристик. В качестве примера возьмём рисунок кота. Если в станковой композиции художник может буквально его изобразить, подробно повторив силуэт со всеми деталями и придав ему объём, то в декоративной композиции художник может выделить ряд характерных для кошек черт и передать в рисунке только их. Например, это могут быть изгибы кошачей спины, которые художник легко нарисует только несколькими условными линиями, не изобажая всех деталей фигуры. Или это может быть треугольник, форма которого лежит в основе кошачей мордашки. Здесь художник просто уложит несколько пятен краски по форме треугольника, а в результате будет угадываться характер кошки. В итоге мы видим лишь некоторые черты, которые позволяют узнать в изображении кошку. Остальные, такие как расцветка кошачьей шерсти, подробный рисунок глаз, ноздри носа — будут остутствовать. Но художник может сделать и наоборот. Передать рисунок кошачьей шерсти, подробно нарисовать глаза, но при этом оставить без внимания форму кошачьей морды, форму изгиба спины и т. д.
Вышеописанный подход лежит в основе такого приёма как трансформация формы и её стилизация. Например, ту же кошачью морду можно «собрать» из геометрических фигур. А можно создать её силуэт из абстрактных пятен, штрихов, линий, точек и т. д. Т. е. художник трансформирует рисунок. Изменяет и преобразует его. Но характер изображаемого объекта остаётся узнаваемым. То, как художники и дизайнеры это делают во многом обусловлено их творческим мышлением. Используя основополагающие приёмы стилизации, нужно стараться избегать шаблонности. К основным приемам трансформации можно отнести создание силуэта по форме образующей линии. Образующая линия — это линия лежащая в основе формы объекта. Например, кувшин из натюрморта имеет определённую форму, не похожую на формы других кувшинов. Художник замечает характер этой формы и повторяет его, но уже в стилизованном и трансформированном изображении кувшина. Т. е. в основе такой трансформации будет лежать образующая линия. Автор может воплотить эту линию в геометрических фигурах, абстрактных пятнах, и т. д.
Хорошим примером трансформации и стилизации является создание знаков и логотипов. Приведу пример знака, в основе которого лежит силуэт животных. Например, это будет лев. При создании значка дизайнер может повторить силуэт льва как он есть. А может составить его из треугольничков или других геометрических фигур. Ещё может изобразить льва всего лишь одной линией, которая то утолщается, то становится тонкой, то даже исчезает на некоторых участках рисунка. Ведь знак это условная и упрощённая форма того объекта, которого изображают. Но характер этого объекта должен хорошо угадываться. Вот в этом и есть суть трансформации и стилизации. Художник приводит буквальное изображение к какому-либо стилю. Например, он может составить изображение из вертикальных мазков краски или вертикально расположенных штрихов. Это будет похоже на дождь. Все элементы рисунка будут изображаться только вертикально расположенными штрихами и линиями. Если это натюрморт, то и драпировки, и кувшины, и чашечки, и шкатулки — всё будет проработано только вертикальными штрихами. Получается единый стиль в проработке натюрморта. Это лишь один из возможных стилей. А их может быть огромное множество. При чём, стиль может проявляться не только в характере штриха или мазка краски. Стиль может проявиться в том, как решается силуэт — «рубленной» прямой линией, округлой линией, прямоугольниками или другими геометрическими фигурами. Т. е. стиль будет виден в характере самой формы силуэта. Далее, эти силуэты могут быть просто открашены одним цветом, а могут быть заполнены орнаментом или текстурой. И здесь мы подходим к следующему этапу в работе над декоративной композицией — проработка силуэтов.
4. Декоративное решение силуэтов.
После того как художник создал основные объекты композиции путём стилизации и трансформации, следует приступать к их декоративному решению. Что это означает на практике? Например, в предполагаемой работе присутствуют силуэты графина и яблока. Их можно целиком открасить просто одним цветом или заполнить текстурой (это будет обсуждаться в пункте №5). Но можно внутреннее пространство силуэта разбить на несколько частей. Форма этих фрагментов может быть разной, однако если она будет основана на образующей линии, повторяющей форму кувшина (см. выше), то это будет выглядеть гарантированно гармонично и хорошо. Например, наш воображаемый графин с водой будет иметь вытянутое горлышко и широкое дно. Подобным образом мы можем разбить весь силуэт этого графина на несколько частей. Они будут также иметь вытянутые верхние части и широкое приземистое основание. Т. е. характер этих фрагментов будет похож на характер всей формы. Далее, эти фрагменты можно заполнить цветом, текстурой или орнаментом. Заполнив внутреннюю пустоту силуэта таким способом, мы придадим ему особую выразительность и красоту. Хочу обратить внимание на то, что силуэт кувшина не целиком заполняется текстурой или открашивается краской, а открашиваются те фрагменты, которые мы создали уже внутри этого силуэта кувшина. Таким образом, кувшин будет состоять из замысловатых фигур, которые в дальнейшем прорабатываются краской или текстурой. Это, однако, не означает, что нельзя просто заполнить весь силуэт одним цветом или орнаментом с текстурой. Но это будет слишком скушным решением, которое лучше использовать вместе с тем, которое мы обсуждаем.
Кроме самих предметов, нам ещё нужно решить фон, на котором расположены наши воображаемые графин и яблоко. Но тут нужно помнить, что в декоративной композиции фон будет условным. Он не должен обязательно представлять из себя стол и стену. Он может быть абстрактным и состоять из вымышленных декоративных элементов.
При заполнении предметов и фона декоративными элементами, нужно ещё помнить о преобладании какого-либо мотива. Если представить себе композицию из треугольников, прямоугольников и окружностей, то какая-то одна из этих фигур должна быть главной. Декоративное заполнение силуэтов здесь тоже может состоять из орнаментов с прямоугольным, треугольным и круглым мотивом. Но какой-либо один мотив должен быть преобладающим и основным. Если главный в композиции — треугольник, то разумно сделать главным мотивом декоративного решения силуэтов — треугольный мотив.
5. Текстура и фактура.
В декоративной композиции изображение чаще всего не имеет светотени, а является плоским, т. е. условно-декоративным. При таком решении художник может просто открасить нужный фрагмент рисунка одним цветом. Но можно заполнить этот фрагмент ещё и текстурой. Это будет оживлять работу. Текстура (от лат. «textura») — означает внешний вид поверхности, который зависит от внутреннего строения материала: дерево, камень, штукатурка, кирпич, ткань, стекло, бумага и т. д. Т. е. на деле это будет рисунок из волокон, вкраплений, разводов. который определяется внутренней структурой материала. Фактура (от лат. «factura») — означает внешний вид поверхности, который зависит не от внутреннего строения, а от характера обработки. Например, стекло будет гладким и глянцевым. Паста, нанесённая на холст мастихином, будет рельефной и «мазистой». А отшлифованная наждачной бумагой ДВП будет матовой.
В реальной работе над графической декоративной композицией эти фактуры и текстуры можно получить разным способом. Даже обычным карандашом, можно проработать плоскость «корявой» штриховкой, точечной, пунктирной… Можно взять зубную щётку и делать набрызг краской. Можно взять жёсткую щетинную кисть и протереть жидкой краской — в результате получится имитация волокон дерева. Ещё можно наклеивать кусочки ткани, фактурной бумаги, бумаги с нанесённой на неё рисунком фактуры, нити, кожу, обои и т. д. и т. п. Но здесь нужно быть осторожным. В композиции должна быть выбрана определённая техника исполнения. Это будет стилем технического решения. И если перемешивать различные техники исполнения как «рука возьмёт», то в итоге может получиться какофония. Поэтому не следует сильно увлекаться технической стороной дела. Бывает так, что лучше ввести одну-две текстуры, а остальное просто открасить краской (в станковой живописи слово «открасить» не применяется т. к. оно будет иметь негативный оттенок, а используется слово «писать», но в декоративной композиции это слово вполне приемлемо). Поэтому в использовании текстур важно чувство меры, также как оно необходимо и в любых других областях.
6. Беспредметная ассоциативная композиция.
Эту тему нужно выделить особо. Хотя бы потому что она далеко не всем понятна. Но от этого она не менее важна. Дело в том, что обычно художники создают свои творения опираясь на какие-либо образы и формы из реального мира, который окружает нас. Если говорить о декоративной композиции, то за основу берутся силуэты предметов и объектов из того, что нас окружает: предметы быта, животные, растения… Далее, авторы могут трансформировать эти формы. Но для такой трансформации нужно обладать ассоциативным мышлением. Т. е. для создания нового образа нужно уметь мыслить абстрактно. И тут на помощь придёт беспредметная ассоциативная композиция. Это композиция в которой нет реальных объектов. Т. е. художник изображает только абстрактные фантастические формы, которые могут только лишь отдалённо напоминать что-либо из реального мира. Когда мы видим что-либо, и при этом на память приходят какие-либо образы или воспоминания — это называется ассоциацией. Если у художника развито такое ассоциативное мышление, то у него не будет проблем с трансформацией, созданием оригинального образа, твроческим процессом. Поэтому вышеупомянутая тема очень важна на уроках композиции.
Но дело не только в развитии творческого мышления. В любой декоративной композиции могут присутствовать не только стилизованные формы, но и абстрактные элементы рисунка. Взять к примеру орнамент на основе растительного мотива. Если это лепестки цветка, то кроме них, здесь могут присутствовать какие-нибудь абстрактные овальные формы, или замысловато закрученные линии. Если рассматривать декоративный натюрморт, то и в нём, рядом, например, с кувшином могут соседствовать какие-нибудь многоугольники, полоски, зигзаги и тому подобное. А ведь это и есть абстракция.
7. Настроение в декоративной композиции.
Произведения изобразительного искусства влияют на чувства зрителя подобно музыке. Они могут вызывать в людях различные эмоции. Это особенно применимо к абстрактной беспредметной ассоциативной композиции. Когда человек созерцает произведение, в котором ничего конкретного не изображено, то в нём начинает работать воображение и подключаются чувства. Если на картине изображена стремительность, скорость, полёт, то зритель это будет чувствовать. Если радость, веселье, мир, то и зритель должен почувствовать соответствующие эмоции. Но как художник может передать настроение вообще и в декоративной композиции в частности. Многие считают, что достаточно нарисовать что-нибудь вроде букета цветов на фоне солнечного неба — и будет передано радостное настроение. И хотя такой букет действительно передаст радость, этого будет недостаточно. Тут кроме сюжета нужно подключать цвет, тон, ритм, форму и её расположение. Т. е. если изобразить букет цветов в коричневых красках, на сближенных серых тонах, по центру листа, с одинаковыми размерами бутонов, то вряд ли такой натюрморт вызовет обилие радости. А если воспользоваться контрастом жёлтых, оранжевых и голубых цветов, выстроить динамичную композицию, где центральный бутон будет бросаться в глаза, а другие цветы уходить на второй план, где будет чувствоваться поток солнечного цвета, где формы будут ритмично расположены в листе — то тогда действительно, такой натюрморт вызовет массу положительных эмоций, чувство радости и эмоционального подъёма.
Когда говорят, что цвет способен влиять на чувства, то это интуитивно понятно большинству людей. Но как может форма передавать какое-либо настроение? Представим себе три геометрические фигуры: круг, квадрат и вытянутый не равносторонний треугольник. Какие из этих фигур вызовут ощущение стремительности, движения, неспокойствия? Скорее всего это будет треугольник. Ведь наш треугольник имеет остроконечную форму, словно пронизывающую пространство и устремляющуюся вперёд. Круг и квадрат имеют чёткий центр равноудалённый со всех сторон. Т. е. они более уравновешены, следовательно больше ассоциируются со спокойствием, чем с движением. Таким образом, мы видим, что кроме цвета ещё и форма предметов может влиять на эмоциональное восприятие произведений изобразительного искусства.
Но кроме цвета и формы существуют ещё тон и расположение объектов в композиции. Как они влияют на передачу настроения? Несколько слов о тоне. Если рядом расположить чёрное и белое, то они будут создавать контраст. Если тёмно-серое и светло-серое, то они будут мягко смотреться и не привлекать много внимания. Такой тоновой контраст или его отсутствие тоже можно использовать для передачи какого-либо настроения.
Если говорить о расположении объектов в листе, то давайте вспомним, что существуют статичные и динамичные композиционные решения. Статика чаще основана на симметрии, а динамика на ассиметрии. Поэтому, то как расположены предметы в листе, тоже может передавать различные ощущения. Но кроме симметрии и ассиметрии есть и другие проявления композиционного решения. Например, если расположить объекты композиции по очереди от крупного к малому, то движение будет затухать, как бы сужаться, переходя от большого к малому. А если наоборот, объекты расположить от малого к большому, то такое расширение будет ассоциироваться с увеличением, развитием. Подобно этому, сгущение или разрядка объектов композиции может передавать некое движение или настроение. Например, жёлтые осенние листья могут изредка появляться с правой стороны рисунка и становиться всё чаще и чаще с левой. Получается сгущение объектов слева и разрядка справа. Такое «перетекание» тоже может передавать различные ощущения. Например, ощущение дуновения ветра или ощущение лёгкости.
P.S. При работе над любыми заданиями по декоративной композиции учащиеся должны понимать и применять вышеизложенные основы. Они применимы к самым разным областям изобразительного искусства и к самым разным заданиям по декоративной композиции в частности. Ниже я привожу список примерных заданий по декоративной композиции и основам дизайна, которые преподаватели могут использовать в своей работе.
Список примерных тем для заданий по декоративной композиции в художественной школе и художественном училище: