Что относится к живописным материалам
Живописные материалы и особенности их использования
Для создания живописных произведений художники используют различные виды техник: фреска, масляная, акварельная, гуашевая, темперная и т.д. Каждая живописная техника имеет свои цветовые особенности, и разнообразие техник зависит от разнообразия веществ, связующих красящий пигмент (воск, масло, мед, яйцо, клей и пр.). Красящие пигменты могут быть как минерального, так и органического происхождения; они могут быть природными и синтетическими. По внешнему виду пигменты представляют собой дисперсные (тонко измельченные) порошки различных цветов.
Основанием для живописного материала может служить бумага (белая или цветная, гладкая или фактурная) либо грунт (на картоне, холсте, дереве и т.д.).
Существует множество инструментов, которые могут быть использованы для нанесения краски на основу, включая губки, шпатели, скребки, ножи, мастихины, валики, аэрографы и пистолеты-краскораспылители. Однако наиболее важным из всех инструментов, безусловно, является кисть.
Акварель
Техника акварельной живописи весьма разнообразна по своим приемам: работа по-мокрому, а-ля прима, работа по-сухому, многослойная акварель (лессировка).
В чистой акварели совершенно не допускаются белила, роль которых здесь выполняет сама бумага. Это заставляет тщательно сберегать белизну ее в местах, отводимых бликам и т.п., так как записанные места бумаги не могут быть восстановлены белой краской, всегда отличимой от тона бумаги, что, безусловно, стесняет работу.
Краски в акварели, наносимые тонким слоем, по высыхании изменяются приблизительно на одну треть своей первоначальной силы, и это их свойство необходимо учитывать при нанесении тона. Каждый тон следует наносить здесь свежо, сразу, свободно, только в этом случае он достигает наилучшего впечатления.
Рисунок для акварели делают отдельно и затем переводят на бумагу: этим достигается сохранение поверхностного слоя бумаги во всей его целости.
Акварельные краски могут играть и служебную роль, например, в подмалевке для масляной живописи.
Гуашь
Гуашь — корпусная кроющая непрозрачная краска, имеет матово-бархатистый тон, быстро сохнет и светлеет.
Гуашью можно работать не только на бумаге, но и на грунтованном (не-размываемом) холсте, на ткани, картоне, фанере.
Гуашь состоит из тонко протертого пигмента и связующего вещества. Для большей укрывистости (плотности красочного слоя) многие гуашевые краски содержат белила, что при высыхании делает их несколько белесыми.
Гуашью работают главным образом плакатисты и графики, а также некоторые художники-станковисты. Она широко применяется в декорационной живописи, при выполнении различных эскизов. Гуашь удобна в работе и, что важно, дает возможность вносить исправления в процессе работы.
Рисование гуашью имеет некоторые особенности – пигмент быстро сохнет и становится немного светлее, чем во влажном состоянии. Влажная краска смешивается на рабочей поверхности. Гуашь лишена прозрачности, так как краски ее наносятся обычно сравнительно более толстым слоем, чем в чистой акварели, и притом смешиваются с белилами. Если краска наносится слишком плотно, толсто, то после высыхания могут образоваться трещины, красочный слой может осыпаться. Гуашь удобна в работе и, что важно, дает возможность вносить исправления в процессе написания картины. Если гуашь слегка развести водой, она непрозрачна, но если развести ее жидко, она становится почти такой же прозрачной, как акварель. В этом случае, в отличие от акварели, гуашь яркость красок не теряет.
Темпера
Темпера, как и гуашь — кроющая непрозрачная краска, разводится водной эмульсией, быстро сохнет и дает матовую бархатистую поверхность.
Яичная темпера. Связующим веществом яичной темперы служит искусственная эмульсия, в состав которой входят яйцо, масло и масляный или скипидарный лак.
Казеиновая темпера. Растворы казеина образуют с маслом и смолами эмульсии, которые по своим качествам выше яичной эмульсии. Краски казеиновой темперы не способны давать трещины.
Гуммиарабиковая темпера: жидкая темпера, легко растрескивается, за то долго не портится по сравнению с другими видами темперы.
Современные картины, написанные темперой, не покрывают лаком, поэтому они имеют бархатистую фактуру. Цвет и тон в произведениях, написанных темперой, проявляют несравненно большую стойкость к внешним воздействиям и дольше сохраняют первоначальную свежесть по сравнению с масляной живописью.
Масляные краски
Акриловые краски
Важный аспект акриловых красок заключается в их огромном разнообразии: их можно использовать для создания очень бледных заливок или лессировок, а также в густой пастозной технике со множеством фактурных эффектов. Современные акриловые эмульсии не подвержены постепенным химическим изменениям, которые свойственны пленке масляных красок. В работе акриловыми красками для наложения слоев не требуется никаких специальных техник — высохшая пленка будет оставаться прочной и не будет образовывать трещин. С этой точки зрения акриловые краски гораздо проще в использовании, чем масляные. Поскольку краска высыхает за очень короткий период времени, ими можно пользоваться вновь (накладывать на основу и слой на слой) быстрее по сравнению с масляными. Однако при этом у художника остается меньше времени для манипуляций с краской на основе, и в этом отношении масляные краски предпочтительнее акриловых.
Энкаустика
Энкаустика как техника живописи включает смешивание пигментов в плавленом воске, после чего горячие восковые краски наносятся на поверхность основы. Энкаустика — одна из наиболее устойчивых техник живописи, некоторые древние работы, выполненные восковыми красками, и сейчас так же свежи, как во время их создания. Следует использовать только светостойкие пигменты, а сами работы не должны нагреваться до высоких температур, при которых поверхность воска может расплавиться. Преимущества этой техники заключаются в том, что работы безучастны к влиянию нормальных атмосферных изменений и они не сжимаются и не расширяются; воск не вызывает агрессивных химических реакций при взаимодействии с пигмента-ми и грунтовочным слоем; он обладает хорошими отражающими свойствами и после натирания тканью демонстрирует характерный, привлекательный блеск. В технике энкаустики возможен широкий спектр разнообразных эффектов; кроме того, вы можете приостанавливать и возобновлять работу по своему усмотрению без какого-либо ущерба для пленки краски. При этом поверхность восковых красок должна быть защищена от неосторожного механического воздействия.
Поперечные профили набережных и береговой полосы: На городских территориях берегоукрепление проектируют с учетом технических и экономических требований, но особое значение придают эстетическим.
О живописных материалах
Для создания живописных произведений художники часто приобретают дешевые, некачественные материалы, не имея никакого представления, что произойдет с ним с течением времени. Художественные товары отвечают за сохранность живописи и удобство в работе, ведь если материал качественный, то и в использование его не будет никаких проблем.
Творцы используют различные виды живописных техник: фреска, масляная, акварельная, гуашевая, темперная и т.д. и каждая имеет свои цветовые особенности. Различные связующие красящие пигменты такие как: воск, масло, мед,клей и пр. минерального или органического происхождения, природного или синтетического.
Основанием для живописного материала может служить бумага (белая или цветная, гладкая или фактурная), либо грунт (на картоне, холсте, дереве и т.д.).Существует множество инструментов, которые могут быть использованы для нанесения краски на основу, включая губки, шпатели, скребки, ножи, мастихины, валики, аэрографы. Однако наиболее важным из всех инструментов, безусловно, является кисть.
Качество подрамников
Качество холста
Холст для живописи – это специальный художественный материал, чьи характеристики: основа, ткань, зернистость, плотность, качество грунта, должны соответствовать ряду жестких требований. Далеко не каждое полотно может выдержать вес красок и испытание временем.
Изначально натянут с волнообразным изгибом нитей, не говоря уже об утолщениях, многочисленных узелках нитей, которые требуют специальной зачистки, а это нарушает клеевой слой и крепость самого холста, что приводит к неравномерному напряжению основы, проклейки и грунта. Именно в напряженных участках на проклейке и грунте трещины возникают раньше, чем в остальной плоскости. Таким образом грунт свободно пропускает связующие краски на оборотную сторону холста или, наоборот, оказывается почти непроницаемым для связующего краски. Такая глянцевая поверхность не даёт сцепления грунта с красочным слоем.
Грунтованные холсты в рулоне продаются в больших размерах в магазине Арт-Квартал по доступной цене. Для работы на таком холсте нужно предварительно отрезать нужный формат и натянуть его на подрамник.
Качество грунтованного картона
К сожалению, качество большинства грунтованных картонов не радует из-за использования в грунтовании низкосортные рыхлые картоны. Грунты впитывают связующее из красок, как губка, красочный слой при этом становится матовым, а связующее проходит на оборотную сторону картона, оставляя пятна.
Преимущества:
Краски на грунтованном картоне выглядят ярко, поскольку не впитываются в сам картон, а остаются на грунте, не пропускающем краску в нижние слои:
Грунтованный картон легкий – его удобно брать с собой, в том числе на пленэры
Плотный картон не гнется и подходит для этюдника
Такой картон можно использовать и для других видов творчества: декупажа, мозаики и декоративных красок
В нашем интернет-магазине можно купить грунтованный картон для живописи в размерах от 10х15 см до 50х80 см для масляной живописи, акрила, и других материалов по выгодной цене.
Процесс создания живописной композиции может распадаться на несколько стадий. Но существует и живопись более импульсивного характера, позволяющая художнику непосредственно и динамично воплощать свои жизненные впечатления, благодаря одновременной работе над рисунком, композицией, лепкой форм и колоритом.
Техники и материалы живописи практически неисчерпаемы. Всё, что оставляет какой-либо след является живописью: живопись создаётся природой, временем и человеком. Это уже отметил Леонардо да Винчи.
Живописные материалы
Как ты думаешь, почему художникам для живописи требуются разные виды красок — акварель, гуашь, темпера, масло? Да потому, что нужны разные по характеру краски: одни — чтобы расписывать стены, другие — чтобы создавать живописные картины или маленькие живописные произведения, например миниатюры для книг.
A. Рублев, Д. Черный. Благовещение. Икона. Темпера Россия XV в.
Темпера — одна из самых древних красок. До XV в. темпера была наиболее распространенным материалом живописи. Краска разбавляется водой, но быстро высыхает и становится прочной. На Руси яичная темпера применялась в иконописи и для росписи храмов. Фрески наносились на стены храмов или дворцов по слою еше не просохшей штукатурки, которая впитывала в себя красящий пигмент и прочно его закрепляла.
Дионисий. Фрески церкви Рождества Богородицы. Ферапонтов монастырь.
Акварель — это прозрачные водяные краски. Их наносят на бумагу тонкими слоями так, чтобы бумага просвечивала сквозь них. При этом они дают возможность получить очень яркие цвета, отличающиеся особой свежестью. Но для этого требустся мастерство и ясное представление о задуманном образе. Если одно и то же место покрыть несколькими слоями краски, оно может казаться грязным.
А.П. Остроумова-Лебедева. Павловск. Акварель. Россия XX в.
А.В. Фонвизин, Портрет артистки Л. Ордамской. Акварель. России XX в.
Гуашь, как и акварель, разводят водой. Это густые, кроющие краски, и при работе они дают большую, чем акварель, свободу исправлений.
ф.П. Толстой. Ветка винограда. Гуашь Россия XIX в.
Масло, наверное, самая главная живописная краска, она дает художнику самые большие возможности. Пишут маслом обычно по специально загрунтованному холсту и краску разводят не водой, а специальными растворителями. Масло позволяет вести работу многослойно, углубляя и разрабатывая содержание произведения.
М.А. Врубель. Фрагмент картины. Масло. Россия XIX в.
И всякий раз потребуется специальный навык — мастерство владения данной техникой, которое приходит с опытом. Но мастерство художника определяется не только уровнем его техники. Мастерство определяется прежде всего умением видеть мир, мыслить и выражать свои чувства, так же как в литературном творчестве недостаточно знать грамоту, чтобы стать поэтом.
В.В. Кандинский. Композиция. Масло. Россия. XX в.
Сделай густые мазки и прозрачные мазки. Почувствуй, что краски разных цветов ведут себя немного по-разному из-за характера их пигмента. Весь лист бумаги, на котором ты пробуешь краски, должен в конце работы стать выразительной композицией.
Дж. Поллок. Номер 7. Масло США. XX в.
В XX в. обострился интерес к самоценности языка живописи, взаимодействию красочным фактур, и ряд художников посвятили свое творчество эксперименту.
П. Пикзссо. Topepo. Тушь. Франция. XX в.
Порисуй карандашом, углем или пастелью острым краем, оставляя резкие и послушные изменению нажима следы, и затем боковой плоскостью, мягко и бархатисто касаясь листа. Постарайся, чтобы к концу работы весь лист графических проб смотрелся красиво.
ЖИВОПИСЬ.
Основные художественные средства живописи: цвет, светотень, характер мазка, фактуры и текстуры, композиция. Всё это даёт более разнообразные, по сравнению с графикой, художественные возможности. При помощи них живопись может передавать в плоскости листа или картины всё многообразие видимого окружающего мира не только схематически условно, но и иллюзорно правдиво, реалистично до фотографической точности. В отличие от фотоискусства, живопись способна передавать не только внешние характеристики объектов и предметов: богатство красок и оттенков, объём и форму предметов, их материальность, глубину пространства и характер освещения, но и эмоционально-чувственное отношение художника (и зрителя) к изображаемому. Благодаря воплощению в красках статичности и динамичности движений героев, изображению одухотворённости или страстности персонажей, сюжетной линии и тонкости эмоциональных переживаний, живопись не только изображает реальную картину мира, но и несёт просветительскую функцию, раскрывает суть исторических событий и процессов, выражает социальную и политическую позицию художника, словом, приобретает черты средства отображения и интерпретации авторской идеи и реальной действительности.
Живопись подразделяется на виды и жанры.
Виды живописи
В зависимости от материала живопись бывает.
Жанры живописи:
* исторический;
* бытовой;
* батальный;
* портрет;
* пейзаж;
* натюрморт и другие.
По методу исполнения живопись бывает:
* подмалёвок;
* основная прописка;
* уточнение формы;
* уточнение пространства;
* детализация;
* обобщение.
Использовалась литература:
1. Беда Г. В. “Словарь специальных терминов в живописи”;
2. Сокольникова Н. “Краткий словарь художественных терминов для учащихся 5-8 классов”.
4. “Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия.” Под редакцией проф. Горкина А. П., Москва: Росмэн, 2007.
5. Большой энциклопедический словарь;
6. Кононенко Б.И. Большой толковый словарь по культурологии. 2003.
7. Большая советская энциклопедия;
Живопись: история, материалы, стили и жанры 4 044 слова читать
27 мин. Раздел в процессе наполнения и корректировки
Определение: форма двумерного визуального выражения
Искусство живописи состоит в расположении форм, линий, цветов, тонов и текстур на двухмерной поверхности, создавая таким образом эстетический образ. Более того, нельзя сказать, что разнообразие возможностей исключает возможность более точного определения. Готовая картина может быть полностью репрезентативной и натуралистической, такой как у фотореалистов (например, Ричарда Эстеса), или полностью абстрактной, состоящей только из геометрических фигур (таких как работы Пита Мондриана или Бриджит Райли) или где-то между ними. В жанровых терминах это может быть повествовательная история, портрет, жанровая сцена, пейзаж или натюрморт. Он может быть окрашен с использованием краски, энкаустики, темперы, масла, акрила, акварели или любого из новых современных красителей. И, как могут засвидетельствовать искусствоведы и историки, существует бесчисленное множество противоречивых теорий о функции, дизайне, иерархии стилей и эстетике живописи, поэтому, пожалуй, самое безопасное – сказать, что «визуальные художники» заняты задачей создания двухмерных произведений визуального выражения, каким бы образом они к ним ни относились.
Композиция и дизайн
«Дизеньо» (скетч, набросок) – термин происходит из искусства эпохи Возрождения, который переводится как дизайн или рисунок, описывающий идею художника о том, что он хочет создать, а также о ее исполнении – формальной структуры различных элементов, объединенных в единое целое.
Эти формальные элементы включают в себя: линии, форму и массу, цвет, объем и пространство, время и движение.
(1) Линия описывает все, от основных контуров до краев тона и цвета. Линейная работа фиксирует взаимосвязь между соседними или удаленными элементами и областями поверхности окраски, а также их относительную активность или пассивность.
(2) Форма и масса подчеркивается различными областями цвета, тона и текстуры, а также любыми конкретными деталями. Многие из самых известных картин (например, « Тайная вечеря » Леонардо да Винчи) оптически расположены вокруг геометрических фигур (или их смеси). Отрицательное пространство также может быть использовано, чтобы подчеркнуть определенные особенности композиции.
(3) Учитывая, что человеческий глаз может идентифицировать до 10 миллионов различных оттенков, цвет имеет много разных применений. (См. Colorito.) Его можно использовать чисто описательным образом – египтяне использовали разные цвета, чтобы отличать богов или фараонов, а также чтобы отличать мужчин от женщин (мужчин изображали более смуглыми) или для передачи моральных сообщений или эмоциональных настроений или для обозначения перспективы (более слабые цвета для далеких фонов). Смотрите также: Тицианская и Венецианская цветная живопись (1500-76). Прежде всего, цвет используется, чтобы изобразить эффекты света (см. Серию « Стога сена » или « Руанский собор » Клода Моне), в то время как многие великие художники, такие как Караваджо и Рембрандт, использовали контраст между цветами для драматического эффекта, особенно в технике Киароскуро. (см. « Ночной Дозор » Рембрандта). Более подробно: Цвет в живописи.
(4) Элементы объема и пространства связаны с тем, как художник создает глубину и пространственные отношения на плоской поверхности картины. Традиционные художники делают это, используя концепцию линейной перспективы, разработанную во время флорентийского Ренессанса Пьеро делла Франческа и другими (см. Также иллюзионистские приемы квадратуры и ракурса), в то время как кубисты, такие как Пикассо, Брак, Дюшан и Хуан Гри, выражали пространство и объем, показывая диапазон перекрывающихся «снимков» одного и того же объекта, как если бы они рассматривались одновременно с разных точек зрения. Третьи, такие как примитивисты, показывают объекты не в натуралистических отношениях друг с другом, а в отдельности, независимо от того, под каким углом лучше всего проявляются их характерные особенности – к ним относятся, например, уплощенные стилистические формы, используемые древними египтянами.
(5) Элементы времени и движения касаются того, как глаз зрителя может почувствовать картину, с точки зрения скорости и направления, как для ее повествовательного развития (например, в крупномасштабных исторических фресках), так и для ощущения ее потенциала.
Интерпретация живописи
Например, египетское искусство славится своими иконографическими образами, как и византийские панно и до-ренессансные фрески. Ренессансные картины, например работы старых мастеров, таких как Боттичелли, Леонардо и Рафаэль, часто принимали форму очень сложных аллегорических произведений, традиции, которая сохранялась на протяжении последующих эпох барокко и неоклассицизма 17 и 18 веков. Даже натюрморты, особенно жанр живописи Ванитас, были пронизаны моралистической аллегорией. Тем не менее, традиция несколько ослабла в течение 19-го века, под влиянием романтизма, импрессионизма и, в меньшей степени, экспрессионизма, до повторного появления в 20-м веке, когда кубизм и сюрреализм использовали его в полной мере. Подробнее см.: Анализ современной живописи (1800-2000).
Носители
Энкаустика
Одна из основных сред окраски во времена древнего мира, энкаустическая окраска, использует горячий пчелиный воск в качестве связующей среды для удержания цветных пигментов и обеспечения возможности их нанесения на поверхность – обычно на деревянные панели или стены. Она широко использовалась в египетском, греческом, римском и византийском искусстве.
Фреска
Темпера
Вместо пчелиного воска средне-температурная окраска использует эмульсию воды и яичного желтка (иногда смешанную с клеем, медом или молоком) для связывания пигментов. Темперная роспись в конце концов была вытеснена маслами, хотя в качестве метода росписи на панелях она сохранялась веками. Он также широко использовалась в средневековой живописи при создании иллюминированных рукописей. Для получения более подробной информации об этом жанре см.: Готические рукописи с иллюминацией (1150-1350).
Масло
Доминирующая среда начиная с 1500 года. В масляной живописи используются такие масла, как льняное, грецкое или маковое, как связующее и сушильное вещество. Популярность масляных красок проистекает из повышенной насыщенности и сияния, которое масло дает цветным пигментам. Оно также облегчает прорисовку тонких деталей с применением таких методов, как сфумато, а также густых красок, получаемых с помощью толстого слоя (импасто). Важными пионерами техники масляной краски были (в Голландии) фламандские художники Хьюберт и Ян Ван Эйк, а также (в Италии) Антонелло да Мессина, Леонардо да Винчи, и особенно члены школы венецианской живописи, в том числе Джованни Беллини и Тициан.
Акварель и гуашь
Акварельная живопись – довольно динамичная среда – разработанная в Англии – использует водорастворимые пигменты, предварительно приготовленные со связующим веществом, обычно гуммиарабиком. Когда акварели сгущаются, становятся непрозрачными и смешиваются с белым, это называется гуашью. Ранние пионеры акварельной живописи – Томас Гиртин и Дж. М. Тернер. Гуашь была важной средой для многих из лучших миниатюристов, занимающихся ранней миниатюрной портретной живописью, до использования эмалей.
Акрил
Самая современная из всех сред, акриловая живопись – это искусственная краска, содержащая смолу, полученную из акриловой кислоты, которая сочетает в себе некоторые свойства акварели и масел. Очень универсальный краситель, его можно наносить практически на любую поверхность в различных количествах, начиная от тонких смывок и заканчивая толстыми слоями с замазкой. Может давать матовое или глянцевое покрытие и очень быстро сохнет. Популярная у многих известных художников, в том числе Дэвида Хокни, акриловая живопись все еще может заменить масла в 21-м веке.
Формы живописи
Фрески
Относящиеся к палеолитической наскальной живописи, фрески широко представлены в гробницах, храмах, святилищах и катакомбах по всему древнему западному миру, включая Этрурию, Египет, Крит и Грецию. Первоначально лишенные «глубины», они были полностью развиты как живописная среда для библейского искусства во время раннего Ренессанса, такими художниками фресок, как Джотто (см.: Фрески часовни Скровеньи), а затем Масаччо, Фра Анджелико, Рафаэль и Микеланджело. Поскольку во внутренней отделке интерьера все чаще преобладали витражи и гобелены, фресковая роспись теряла популярность, хотя в 19-м и 20-м веках появились новые форматы использования этой технологии.
Живопись на деревянных панелях
Самая ранняя форма переносной живописи, панели, широко использовались (например, в египетском и греческом искусстве, хотя сохранилось лишь немногие предметы того времени), а затем византийскими художниками с 400 года н.э. Как и фрески, панно испытали второе рождение в период поздней готики и раннего ренессанса, в основном как вид декоративного религиозного искусства – например в таких шедеврах, как Гентский Алтарь (1432) Хьюберта и Яна Ван Эйка и Расяптие (1440) Рогира ван дер Вейдена. Подробнее о панно в эпоху Ренессанса в Венеции 16-го века, жанре и периоде, который иллюстрирует колоритный венецианский подход, см.: Венецианские алтари (1500–1600); Венецианская портретная живопись (1400–1600); Наследие венецианской живописи.
Роспись по деревянными панелями была особенно популярна во фламандской живописи и других северных школах из-за климата, который не был благоприятен для фресок. Эта популярность оставалась до конца 17-го века.
Мольберт
Эта форма, как и роспись на панно, была формой студийного искусства, но в качестве основы использовался холст, а не деревянная панель. Холст был и легче, и дешевле, чем панели, и не требовал специального грунтования с использованием гипса и других материалов. Начиная с эпохи барокко (1600) холст и масло стали предпочтительной формой живописи по всей Европе. Он стал особенно популярен среди новых буржуазных меценатов в голландской живописи 17-го века (1600-80), особенно в форме портретных, натюрмортных и жанровых работ.
Иллюминированные рукописи
Этот тип живописи, восходящий к знаменитым образцам древнего Египта, таким как «Книга мертвых», достиг своего апогея в средние века (ок. 500–1000 гг. н.э.) В форме ирландских и европейских иллюминированных (иллюстрированных) манускриптов. Ранние примеры этого типа книжной живописи: Катаха св. Колумбы (начало 7-го века c.610-620), Книга Дарроу (c.670), Евангелие из Линдисфарна (c.698-700), Евангелие из Эхтернаха (или Виллибрордское Евангелие) (c. 700), Евангелие из Личфилда (730), Евангелие из Годескалька (781-83), Золотой Псалтырь (783-89), Евангелие из Лорша (778-820), Келлская книга (c.800), Евангелие Святого Медарда Суассона (810), Утрехтский Псалтырь (830), Евангелие Эбо (835), Великая Библия (840), Библия Вивиан (845).
Как правило, выполненные яичной белой темперой на пергаменте и картоне, эти раскрашенные рукописи отличались чрезвычайно богатым и сложным графическим дизайном, украшенные орнаментом в кельтском стиле, узелками, спиралями и зооморфами, а также образами Святых и Апостолов. К сожалению, появление печатного станка в Германии в 15-м веке вывело этот вид искусства из бизнеса. После этого он сохранился только на Востоке, особенно в форме исламской каллиграфической живописи и иллюстрированных текстов, а также миниатюр из Индии.
Свитки
Ручные свитки – это форма азиатского искусства, датируемая примерно 350 годом н.э., общая для китайской живописи и японского искусства. Состоящие из различной длины бумаги или шелка, они представляли широкий спектр сюжетов, написанных чернилами и тушью, среди которых были, среди прочего, пейзажи, буддийские сюжеты, исторические и мифологические сцены. Руководство по эстетическим принципам восточного декоративно-прикладного искусства см. в разделе Традиционное китайское искусство: характеристики.
Роспись складных экранов и вееров
Существует два основных типа расписанных экранов: традиционные китайские и японские складные экраны, расписанные чернилами или тушью на бумаге или шелке, начиная с 12-го века – форма, которая позже включала лаковые экраны; и экраны иконостасов, найденные в византийских, греческих и русских православных церквях. Экраны использовались в качестве ширмы, которая отделяет святилище от нефа. Этот экран традиционно украшен религиозными иконами и другими образами, используя либо энкаустические, либо темперные краски. Расписные вееры – как правило, украшенные чернилами и цветными пигментами на бумаге, картоне или шелке, иногда сусальным золотом или серебром, – возникли в Китае и Японии, хотя, как ни странно, многие из них были изготовлены в Индии. В Европе роспись вееров не практиковалась до 17-го века, появившись во Франции и Италии примерно с 1750 года.
Современные формы живописи
Художники 20-го века экспериментировали с огромным диапазоном основ и материалов, включая сталь, бетон, полиэстер, неоновые огни, а также бесконечное разнообразие «найденных» предметов. Последнее иллюстрируется в работах Ива Кляйна (1928-1962), который раскрасил женские обнаженные тела синей краской, а затем запечатлел их на холсте; и Роберта Раушенберга (1925-2008), чья работа Кровать (1955) состояла из стеганого одеяла с его собственной кровати, расписанного зубной пастой, губной помадой и лаком для ногтей.
Жанры живописи
Существует пять традиционных жанров живописи. Они ранжируются следующим образом:
(1) историческая живопись – которая включает мифологическую живопись – (2) портретная живопись, (3) жанровая живопись, (4) пейзаж и (5) натюрморт. Эта система ранжирования соответствует «Иерархии жанров», объявленной европейскими академиями изящных искусств, которые оценивают картины в соответствии с их моральным содержанием или смыслом. Таким образом, натюрморты, лишенные какого-либо человеческого присутствия, предположительно содержали наименьшее смысловое повествование. Для сравнения, исторические картины, изображающие сцены эмоциональной борьбы, имели наибольшее повествовательное содержание и поэтому считались главной формой живописи.
История и стили живописи
Происхождение
История искусства стала свидетелем широкого спектра стилей живописи. Начиная с доисторических наскальных рисунков (например, в пещерах Альтамира, Шове и Ласко), она включает в себя фрески и панно египетской, минойской, микенской и этрусской цивилизаций, а также классический античный стиль греческой живописи и римского искусства. Прекрасным примером из классической античности является серия Фаюмских портретов, которые в основном встречаются в районе оазиса Файюм неподалеку от Каира.
Распад Римской империи (ок. 450 г. н.э.) привел к господству византийского искусства, основанного в Константинополе. Между тем Западная Европа пережила четыре века застоя – темные века – до того, как папа Лев III короновал Карла Великого, императора Священной Римской империи. Суд Карла Великого спонсировал мини-культурное возрождение, известное как искусство Каролингов (750-900). Это возрождение поддерживалось Отто I, II и III, эпохой оттонского искусства, до того, как возрожденная римская церковь последовательно развивала культурные стили романского (1000-1200) и готического искусства (1150-1375). Основными видами живописи, распространенными в время этих пяти периодов, были панно с иконами, религиозные фрески и книжная иллюминация.
Проторенессанс
Средневековая западная живопись строго регулировалась соглашением. Мало того, что предмет был ограничен почти исключительно изображением библейских фигур, но также существовали каноны, которые устанавливали, какие главы Ветхого и Нового Заветов могут быть включены и как они должны быть истолкованы. Структура картины соответствовала «перспективе смысла», в результате чего важные предметы были показаны крупно, а менее важные – в меньшем масштабе. Художники также были обязаны следовать формальному набору условностей в своих композициях, касающихся например, цвета, пространства и фона. Таким образом, натурализм вообще не был разрешен. Божественный мир Бога, Иисуса, Девы Марии, Пророков, Святых и Апостолов – который был доминирующей темой – рассматривался как трансцендентный мир, великолепие и славу которого обычно символизировала светящаяся золотая земля.
Первыми художниками, которые бросили вызов жесткости этих правил рисования, были Чимабуэ и его ученик Джотто (1270-1337), чей цикл фресок в Капелле Скровеньи (часовня Арены) в Падуе привнес новый реализм, используя гораздо более натуралистическую идиому. В результате Джорджио Вазари (1511–1574 гг.) описывает Джотто в «Жизни художников» («Vite de ’piu eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani») (1550) как «отца живописи». Другим новатором эпохи проторенессансного периода (1300-1400) был Амброджо Лоренцетти (активная деятельность 1319-48) из Сиенской школы живописи.
Раннее Возрождение
Высокий/Поздний Ренессанс
Северный Ренессанс
Между тем, в Северной Европе (Фландрия, Голландия, Англия и Германия) Северный Ренессанс развивался несколько иным образом, не в последнюю очередь в том, что он предпочитал масляную живопись (фреска была менее приспособлена к более влажному климату), а также его интересом к печати. Великими художниками эпохи были: Ян Ван Эйк (1390-1441), Рогир ван дер Вейден (1400-1464), Иероним Босх (1450-1516), Альбрехт Дюрер (1471-1528) и Ганс Гольбейн (1497-1543).
Манерность
Искусство бурного чинквенто (16-го века) характеризовалось менее гармоничным, более вынужденным стилем живописи, называемым маньеризмом. Вторая Сикстинская фреска Микеланджело, «Страшный суд», является образцом этого подхода, как и «Погребение графа Оргаза» Эль Греко (c.1541-1614).
Барокко
Голландская школа реалистов
Некатолическое искусство голландского барокко и некоторые произведения фламандского барокко должны были развиваться по-разному, поскольку власти протестантских церквей мало интересовались заказом религиозных произведений. Однако рост благосостояния среди торговых и профессиональных классов привел к появлению нового типа коллекционера произведений искусства, гордость которого своим домом вызвала новый спрос на станковое искусство: в частности, жанровые произведения, пейзажи и натюрморты. Так возникли великие голландские реалистические школы жанровой живописи в Делфте, Утрехте, Харлеме и Лейдене, среди членов которых мы находим гениев, таких как Рембрандт (1606-1669) и Ян Вермеер (1632-1675).
Рококо
К 1700 году весомая барочная идиома превратилась в более легкий, менее серьезный стиль, который в конечном итоге обрел независимую форму в движении, известном как рококо. Этот причудливый декоративный стиль был исключительно французским, но, в конце концов, он распространился по всей Европе в 18 веке. Его величайшими представителями были французские художники Жан-Антуан Ватто (1684-1721), Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806), Франсуа Буше (1703-1770) и венецианский мастер Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770), который прославился своими великолепными настенными и потолочными фресками. Рококо стало тесно связано с декадентскими древними режимами Европы, в частности, с французским королем Людовиком XV и его любовницей мадам де Помпадур.
Неоклассицизм и романтизм (расцвет в 1789-1830 г.г.)
Французская революция 1789 года совпала с появлением двух разных художественных стилей: неоклассического искусства и романтизма. Сторонники неоклассической живописи обращались к классической древности за вдохновением; их картины характеризуются героизмом, обременительным долгом и осязаемым чувством серьезности. Его ведущим представителем был французский политический деятель Жак-Луи Давид (1748-1825). Среди других известных художников-неоклассиков были немецкий портретист и исторический художник Антон Рафаэль Менгс (1728-79) и французский мастер стиля академического искусства Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780-1867). Однако самым большим вкладом движения была его архитектура, которая занимает свое почетное место и в наши дни.
В отличие от серьезности и общечеловеческих ценностей, пропагандируемых неоклассицизмом, художники-романтики стремились вернуться к природе, примером чему является их поддержка стихийной пленэрной живописи (например, в школах живописи Барбизон, Понт-Авен и Норвич) Они полагались на чувства и эмоции, а не на разум и интеллект. Романтические художники имели тенденцию выражать эмоциональную личную реакцию на жизнь. Среди знаменитых романтиков были Джон Констебл (1776-1837) и Дж. Тернер (1775-1851) – важные представители английской пейзажной живописи XIX века, Каспар Давид Фридрих (1774-1840) и Камиль Коро (1796-1875); а также художники-историки и портретисты Франсиско Гойя (1746-1828), Генри Фусели (1741-1825), Джеймс Барри (1741-1806), Теодор Жерико (1791-1824) и Эжен Делакруа (1798-1763). Почитайте также про английскую фигуративную живопись (1700-1900).
Позднее романтическое искусство включало: живопись левантинских ориенталистов, американскую пейзажную школу Гудзон-Ривер, мистические произведения символизма и братства прерафаэлитов, а также фантастические сказочные картины школы магического реализма.
Реализм
Живопись импрессионистов
Ко второй половине 19-го века Париж стал бесспорным центром мирового искусства. Он упрочил свои позиции, породив одно из величайших современных направлений в искусстве всех времен – импрессионизм, основными приверженцами которого были: Клод Моне (1840-1926), Камиль Писсарро (1830-1903), Альфред Сислей (1839-1899), Пьер Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917), Эдуард Мане (1832-83), Поль Сезанн (1839-1906) и Берта Морисо (1841-95). Среди других художников, связанных с импрессионистским стилем, были Жорж Сёра (1859-1891), Поль Гоген (1848-1903), Джон Сингер Сарджент (1856-1925), Джеймс Макнил Уистлер (1834-1903) и Уолтер Сикерт (1860-1942), Смотрите также: Лучшие картины импрессионистов.
Хотя импрессионисты распались как «группа» в начале 1880-х годов, этот стиль породил целый ряд связанных стилей живописи, свободно упоминаемых под заголовками Нео-импрессионизм и Пост-Импрессионизм. В их число входит также пуантилизм, ответвление от дивизионизма, интимизм и стили американского пейзажа и морских пейзажей, а также групп художников, таких как английская школа Ньюлин (Newlyn) и Камден-таун (Camden Town Group), декоративные французские стили живописи Синтетизм (Гоген) и Клуазонизм (Бернар, Анкетен), который вдохновил Наби и немецкую группу Worpswede.
Живопись начала 20-го века
В период с 1882 по 1925 год в мире искусства появилось множество новых стилей живописи. Два главных движения этого взрыва современного искусства были:
(2) Кубизм – более интеллектуальный стиль, в котором фигурирует аналитическая, а не синтетическая кубистская живопись, впервые предложенная Жоржем Браком (1882-1963) и Пабло Пикассо (1881-1973). Эксперименты кубизма с двумерной плоскостью изображения привели к таким стилям, как футуризм, итальянское художественное движение, основанное в 1909 году Филиппо Маринетти (1876-1944); Орфический кубизм (симултанизм) Роберта Делоне (1885-1941); Лучизм, разработанный русскими художниками Михаилом Ларионовым (1881–1964) и Натальей Гончаровой (1881–1962); русское движение абстрактного искусства 1913-15 годов, известное как супрематизм, возглавляемое Казимиром Малевичем (1878-1935) и голландское движение де Стейл, основанное в 1917 году Тео ван Дусбургом (1883-1931) и Питом Мондрианом (1872-1944), который позже превратился в Неопластизм. Для получения дополнительной информации см.: Абстрактная живопись.
На живопись начала 20-го века также повлияли декоративные элементы стиля модерн (югендстиль в Германии) и ар-деко.
Европейская авангардная живопись впервые была показана в Америке на Армори шоу (1913) в Нью-Йорке.
Живопись после Первой мировой войны: сюрреализм
После анти-художественных выходок Дада первым международным живописным движением в межвоенные годы стал сюрреализм, чей непочтительный популистский стиль оказал большое влияние на поздний поп-арт. После пионерской метафизической картины Джорджио де Кирико, главного предшественника сюрреалистического искусства, в число ведущих художников-сюрреалистов вошли Макс Эрнст (1891–1976), Ман Рэй (1890–1976), Жан Арп (1887–1966), Хуан Миро (1893– 1983), Рене Магритт (1898-1967) и Сальвадор Дали (1904-1989).
Послевоенное искусство: абстрактный экспрессионизм (1945-65)
К 1940 году, когда Европа была в хаосе, центр искусства мира переместился в Нью-Йорк, где растущее число художников из числа коренных народов смешалось с художниками-эмигрантами из Франции, Испании и Германии, нашедших покровительство и поддержку, среди прочих, со стороны семьи Гуггенхайма. Атмосфера была тяжелой из-за войны, от которой многие художники бежали за океан, ища утешения и смысла в абстрактности, а не в фигуративном искусстве, которое фактически пришло в упадок после упадка американской жанровой живописи и ее варианта под названием Регионализм.
Из влиятельных европейцев-эмигрантов – такие как: Макс Эрнст (который женился на Пегги Гуггенхайм), бывший художник из группы Баухауз, Йозеф Альберс (1888-1976) и армянский Аршил Горки (1904-1948) – плюс уникальные американские художники, такие как Марк Ротко (1903-1970), Джексон Поллок (1912-1956). Благодаря этому близкому знакомству пришли Абстрактный экспрессионизм с его вариантами экшн-живописи (Поллок и Ли Краснер), Живопись цветного поля (Ротко, Стилл, Ньюман, Франкенталер, Кеннет Ноланд), Живопись твердых граней (Фрэнк Стелла) и Пост-Художественная абстракция (Эллсворт Келли).
В Европе абстрактная экспрессионистская живопись развивалась под общим знаменем Информализма (Альфред Отто, Вольфганг Шульце, Вольс), чьи подстили включали Лирическую абстракцию (например, Николас де Сталь), Тахизм (Сэм Фрэнсис), Материальную живопись (Энтони Тапьес), и группу Кобра (например, Асгер Йорн, Карел Аппель).
Высоко влиятельное движение, Абстрактный Экспрессионизм, в конечном счете привело к Минимализму – одному из первых движений современного искусства – через подстили, такие как Оп-арт, отстаиваемый Бриджит Райли (р.1931).
Поп-арт (1960-е)
По мере того как абстрактный стиль становился все более интеллектуальным, другие американские художники искали альтернативы – если не в вымысле, то, по крайней мере, в повседневной реальности. В конце 1950-х годов Джаспер Джонс (р. 1930) и Роберт Раушенберг (1925-2008) начали исследовать использование популярной культуры в качестве источника вдохновения. Это быстро привело к антиинтеллектуальному поп-арт движению, примером которого являются работы Роя Лихтенштейна (1923-1997), Энди Уорхола (1928-1987) и Дэвида Хокни (р. 1937), среди многих других. После спада в начале 1970-х, он снова появился как Нео-поп-арт в 1980-х.
Современная живопись
Современное искусство репрезентации с 1970 года стало свидетелем фигуративной живописи, в том числе работ Фрэнсиса Бэкона (1909-1992) и Фернандо Ботеро (р.1932), неоэкспрессионизма китайских художников, таких как Чжан Сяоган (р. 1958) и Юэ Миньюнь (р. 1962), пейзажей Питера Доига (р. 1959) и украинского художника Дмитрия Колуйного, картин Александра Власенко, а также многочисленных портретов ряда молодых художников, в том числе ирландцев Дэвида Нолана (р.1966) и Конора Уолтона (р.1970), среди многих других. Несмотря на это, фигуративная живопись еще не нашла своей ниши в современном искусстве. То же самое относится и к репрезентативной живописи, которая продолжает привлекать множество молодых художников-абстракционистов и порождает многочисленные мини-движения, не приводя к большим результатам.
Вполне возможно, что все это более воображаемо, чем реально. Например, отсутствие международных движений может создать иллюзию того, что наблюдаемый прогресс незначителен, несмотря на яркие местные события. Кроме того, художники постмодернизма по-прежнему имеют возможность создавать прекрасные примеры абстракции – например, отличительный ворд-арт, созданный Кристофером Вулом (р. 1955) в его черно-белых эмалевых картинах.
Таким образом, в целом, если говорить грубо, то искусство живописи после 1970-х годов – несмотря на большой индивидуальный блеск – кажется, не дало ожидаемой доли шедевров. Вместо этого можно утверждать, что художники-постмодернисты изо всех сил пытались найти ответы на эти три вопроса: (1) Насколько значима фигуративная живопись в эпоху, где доминирует фотографическая журналистика и видеофильмы? (2) Что еще может предложить абстрактная живопись с точки зрения эстетической оригинальности? (3) В какой степени живопись может конкурировать с более «современными» формами искусства, такими как инсталляция, для внимания простых людей, в художественных музеях или других общественных местах?
Возможно, традиционные навыки рисования и живописи, которым больше не уделяется внимание, ранее отведенное им художественными колледжами и академиями, находятся в упадке, хотя, по крайней мере, в России, Восточной Европе и Китае современные видео и фото технологии оказывают меньшее влияние на искусство. С другой стороны, новые технологии, такие как графические планшеты со стилусами, а также цифровая графика открыли рисование для более широкого круга практиков, что может быть только позитивным событием.