Что отличает музыку эпохи барокко
Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы
Знаете ли вы, что эпоху, подарившую нам Баха и Генделя, называли «причудливой»? Причём называли далеко не в положительном контексте. «Жемчужина неправильной (причудливой) формы» – таково одно из значений термина «барокко». Ещё бы новая культура была неправильной с точки зрения идеалов Возрождения: на смену гармонии, простоте и ясности пришли дисгармония, сложные образы и формы.
Эстетика барокко
Музыкальная культура барокко сводила прекрасное и безобразное, трагедию и комедию. «В тренде» были «неправильные красоты», сменившие естественность Ренессанса. Мир уже не представлялся целостным, но воспринимался как мир контрастов и противоречий, как мир, полный трагедии и драматизма. Впрочем, этому есть историческое объяснение.
Эпоха барокко охватывает около 150 лет: с 1600-го по 1750-е годы. Это время великих географических открытий (вспомним открытие Америки Колумбом и кругосветное плавание Магеллана), время гениальных научных открытий Галилея, Коперника и Ньютона, время ужасных войн в Европе. Гармония мира рушилась на глазах, равно как и менялась сама картина Вселенной, менялись понятия времени и пространства.
Жанры барокко
Почти как опера, только без декораций и костюмов, с религиозным сюжетом, оратория заняла важное место в иерархии жанров барокко. Такой высокий духовный жанр как оратория также передавал глубину человеческих эмоций. Самые известные барочные оратории написаны Г.Ф. Генделем («Мессия»).
Из жанров духовной музыки популярными были также духовные кантаты и пассионы (пассионы – это «страсти»; возможно не к слову, но на всякий случай всё помянем один однокоренной музыкальный термин – аппассионато, что в переводе на русский значит «страстно»). Здесь пальма первенства принадлежит И. С. Баху («Страсти по Матфею»).
Контрастный принцип чередования разнохарактерных частей получил развитие не только в жанре концерта. Он лёг в основу сонаты (Д. Скарлатти), сюиты и партиты (И. С. Бах). Нужно заметить, что этот принцип существовал и раннее, но только в эпоху барокко он перестал быть случайным и обрёл упорядоченность формы.
Как следует из нашего обзора, контрастность барокко проявилась даже в масштабности жанров. Наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные опусы.
Музыкальный язык барокко
Эпоха барокко внесла свою лепту в развитие нового стиля письма. На музыкальную арену выходит гомофония с её разделением на главный голос и сопровождающие.
В частности, популярность гомофонии связана и с тем, что церковь предъявляла особые требования к написанию духовных композиций: все слова должны быть разборчивы. Так вокал выходил на первый план, обрастая к тому же многочисленными музыкальными украшениями. Барочная склонность к вычурности проявилась и здесь.
Богатой на украшения была и инструментальная музыка. В связи с этим распространена была импровизация : открытый эрой барокко остинатный (то есть повторяющийся, неизменный) бас давал простор для фантазии на заданный гармонический ряд. В вокальной же музыке длинные каденции и цепочки форшлагов и трелей часто украшали оперные арии.
Важным шагом в развитии музыкального языка стало принятие темперированного строя и становление тональности. Чётко определились два главных лада – мажор и минор.
Теория аффектов
Поскольку музыка эпохи барокко служила выражению страстей человеческих, цели композиции пересматривались. Теперь каждое сочинение связывалось с аффектом, то есть с определённым состоянием души. Теория аффектов не нова, она восходит истоками к античности. Но в эру барокко она получила широкое распространение.
Гнев, печаль, ликование, любовь, смирение – эти аффекты связывались с музыкальным языком композиций. Так, совершенный аффект радости и веселья выражался использованием в письме терций, кварт и квинт, беглого темпа и трёхдольного размера. Напротив, аффект печали достигался включением диссонансов, хроматики и медленного темпа.
Существовала даже аффектная характеристика тональностей, в которой суровый ми-бемоль мажор на пару со сварливым ми-мажором противостоял жалобному ля-минору и нежному соль-мажору.
Вместо заключения…
Музыкальная культура барокко оказала огромное влияние на развитие последующей эпохи классицизма. И не только этой эпохи. Даже сейчас слышны отголоски барокко в жанрах оперы и концерта, популярных по сей день. Цитаты баховской музыки появляются в соло тяжёлого рока, эстрадные песни в большинстве своём строятся на барочной «золотой секвенции», а джаз в какой-то мере перенял искусство импровизации.
И уже никто не считает барокко «странным» стилем, но восхищается его поистине драгоценными жемчужинами. Пусть и причудливой формы.
Барокко в музыке: особенности стиля, композиторы
Музыкальное искусство Западной Европы особенно активно начало развиваться в XI веке в связи с изобретением нотной письменности. Запись нотного текста, а не заучивание музыкальных произведений наизусть позволило композиторам оставлять свои имена в истории. И все же потребовалось некоторое время, чтобы в истории появились по-настоящему гениальные композиторы, музыка которых не потеряла актуальности и до сих пор. Одним из таких ярких рассветов в музыкальном искусстве стала эпоха барокко.
Вообще, слово «барокко» в переводе с итальянского означает «причудливый», «странный». Как художественное направление барокко было распространено во всех видах искусства – живописи, архитектуре, скульптуре, литературе и, конечно, в музыке XVII-XVIII веков. Для этого художественного направления было характерно наличие большого количества украшений, которые порой буквально не давали разглядеть смысл.
Художественное направление в музыке
Музыка – тот вид искусства, который «пострадал» от украшений и перегруженности ими меньше всего, и все же они имели место быть, это было особенностью музыки барокко: всевозможные трели, мелизмы и прочие мелодические украшения. Музыка узнаваема, например, яркие концерты Антонио Вивальди – «Времена года».
Одним из показателей стиля барокко был поиск нового в музыке. Еще не был сформирован полноценный оркестр, исканиями композиторов были сочетания самых различных тембров. Еще не были установлены правила и нормы гармонии (это заслуга более позднего периода – венского классицизма). Еще не были созданы и отточены известные ныне жанры, для некоторых из них эпоха барокко стала зарей существования. Какие же появились в музыке барокко жанры?
Опера эпохи барокко
Одним из таких появившихся в эпоху барокко жанров стала опера. Изначально опера планировалась как возрождение античной трагедии. Инициатором создания стали музыканты, входившие во Флорентийскую камерату. Одним из самых известных представителей камераты стал Якопо Пери, написавший первую дошедшую до нас оперу «Эвридика». Как возрождение трагедии она написана на античный сюжет.
В результате развития оперы в Италии начали возникать различные школы, наиболее яркими из них были римская, флорентийская и неаполитанская, в последней родилось удивительно красивое искусство пения bel canto, которое и по сей день считается эталоном вокального исполнения в музыке. К сожалению, красота пения и виртуозность арий приобрели большую популярность, чем драма в опере, зрители шли насладиться музыкой, но не понять смысл и драматургию. Это стало одной из самых больших проблем итальянской оперы, которая, к слову, называла «серьезной» (opera-seria).
Единственный композитор, которому удалось преодолеть данную проблему, – Клаудио Монтеверди. Его оперы сочетали в себе традиции всех трех итальянских школ, он внес в оперу реализм, опередив свое время. К сожалению, молодой жанр еще не был готов к реализму. Впереди оперу ждал довольно долгий путь развития.
Инструментальная музыка эпохи барокко
Инструментальные ансамбли эпохи барокко отличаются своим разнообразием. Каких-либо норм по сочетанию тембров еще не было выявлено. К тому же еще далеко не все музыкальные инструменты приобрели современный вид, а некоторые и вовсе не существовали. Совершенствовались и навыки игры на них – настолько, что многие инструменты приобрели значение концертных.
Одним из значимых инструментов эпохи был орган. В Западной Европе он был тесно связан с религией – католическая церковь использует этот музыкальный инструмент во время служб.
В эпоху барокко исполнение на этом инструменте приобретает концертный характер. Появляются выдающиеся исполнители, которых люди просто приходят послушать. Особенно это было выражено в Германии – там сформировалось 2 противоположных школы органной игры: северная и южная. Южная школа опиралась на традиции полифонии строго стиля, известным представителем школы был Пахельбель. Полифония была особым показателем стиля барокко в музыке. В более поздние эпохи она не будет выражена столь ярко. Северная же отличалась куда большей свободой и виртуозностью исполнения, известных представителей было больше: Букстехуде, Рейнкин, Бем.
Как ни странно, еще одним музыкальным инструментом, вышедшим на концертный уровень, стал клавесин. Возможности этого музыкального инструмента были ограничены: инструмент, ставший предшественником фортепиано, имел иное устройство. Струны при нажатии клавиш защипывались специальными крючками, звук быстро затухал. Было невозможно добиться долгого звучания звуков. При этом из инструмента нельзя было извлечь звуки различной громкости, что не давало разнообразить музыку динамическими оттенками.
На развитие исполнительских навыков повлияла доступность инструмента и возможность поставить его дома (что, например, не было возможным в случае с органом). Школы игры на этом инструменте возникают в разных странах – в Англии, во Франции (яркими представителями этой страны были Франсуа Куперен и Жан-Филипп Рамо).
Как звучал данный инструмент, можно услышать в исполнении концерта для клавесина с оркестром Иоганна Себастьяна Баха.
Значительными достижения были и в скрипичной и ансамблевой музыке эпохи барокко. Скрипка приобрела свой внешний облик лишь в XVI веке. За столетие инструмент достиг невиданной популярности. С одной стороны, скрипка и подобные струнно-смычковые инструменты обладали удивительными ансамблевыми свойствами, гармонично сочетаясь друг с другом.
При этом сочетания тембров были порой очень интересными, в ансамблевой музыке был популярен жанр concerto grosso – «большой концерт». Ярким представителем эпохи барокко, писавшим в этом жанре, был Арканджело Корелли. Концерт – соревновательный жанр, в «большом концерте» группы инструментов соревновались между собой.
Арканджело Корелли, Рождественский концерт
С другой стороны, инструмент обладал и широкими сольными возможностями. Выдающийся композитор в музыке Барокко – Антонио Вивальди – именно для этого инструмента написал «Времена года». Вивальди стал создателем сольного инструментального концерта.
Антонио Вивальди и Арканджело Корелли
Самыми известными представителями эпохи Барокко стали Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель.
Георг Фридрих Гендель
Один из выдающихся композиторов в музыке барокко. Родился в Германии, но в связи с трудностями в экономическом развитии страны и непростым положением музыканта (в те далекие времена музыканты считались ремесленниками, не существовало деления между исполнителями и композиторами, любой музыкант должен был уметь и сочинить произведение, и импровизировать, а уважением профессия не пользовалась) Гендель покинул родину и отправился в Англию. Много работал в жанре opera-seria, но неудачи, связанные с недостатками самого жанра, заставили композитора обратиться к иному крупному вокальному жанру – оратории.
В результате композитор написал несколько выдающихся ораторий, одной из который стала оратория «Самсон».
Оратория «Самсон»
Одно из выдающихся произведений Генделя. Именно оратория, не опера смогла воплотить все идеи композитора. Но всю жизнь композитор работал в жанре оперы, и ее влияние также заметно в оратории. Острота конфликта между Самсоном и Далилой, индивидуальная музыкальная характеристика персонажей не типична для жанра. К тому же в «Самсоне» слишком много действующих лиц для оратории, в основном в этом жанре место уделялось хорам.
Иоганн Себастьян Бах
Выдающийся немецкий композитор эпохи барокко. В отличие от Генделя, Бах всю жизнь прожил в Германии. Иоганн Себастьян был также выдающимся органистом, клавесинистом, педагогом. За свою жизнь композитор написал огромное количество произведений, творил во всех жанрах, кроме оперы.
Органное творчество Баха
Иоганн Себастьян Бах был выдающимся органистом. В органном творчестве появилось первое циклическое произведение композитора, получившее название «Малый цикл Баха». В этом цикле композитор объединил особенности и северной, и южной органных школ Германии. Цикл включает в себя 2 произведения: первое – импровизационного характера (токката, фантазия или прелюдия), второе – полифоническое (фуга). Одно из самых известных таких произведений – токката и фуга ре минор.
Клавирное творчество Баха
Когда Бах служил в Кетене, у него не было возможности заниматься на органе. В этот период внимание композитора переключилось на клавесин. Он перенес свой «малый цикл» на этот инструмент. При этом композитор в клавирном творчестве утвердил равномерно-темперированный строй в двух томах Хорошо темперированного клавира.
Иоганн Себастьян Бах. Хорошо темперированный клавир. Том 1. Прелюдия и фуга соль минор.
Вокально-инструментальное творчество Баха
В вокально-инструментальном творчестве Бах также был новатором. Во всех своих произведениях композитор доказывал, что музыка – философский вид искусства, что она способна нести вечные ценности и отвечать на глобальные вопросы. Как и Гендель, Бах обращался к жанру оратории, создав свое произведение «Страсти по Матфею».
Одним из самых крупных его произведений стала высокая месса си минор, в которой композитор показал вечную борьбу добра и зла.
Интересные факты
Уделим внимание некоторым интересным фактам из истории:
Музыка барокко
«Любая хорошая музыка должна трогать душу»
Клаудио Монтеверди
Эпохой барокко называют примерно 150 лет с начала XVII до середины XVIII века. Этот период сыграл важнейшую роль в развитии музыки. Именно тогда появились настоящие оркестры, родилась опера, получили развитие многие музыкальные термины и концепции, которые живы и по сей день. Слово «барокко» происходит от португальского barroco — так называли жемчужины неправильной формы. Изначально такой термин использовался только для обозначения пышного архитектурного стиля, но к тому времени, когда ученые стали называть так и музыкальный стиль того времени, он утратил негативный оттенок. Широко использоваться для обозначения музыки, написанной в период между Ренессансом и классической эпохой, термин «барокко» стал лишь в XX веке.
В этот период истинный расцвет переживала не только музыка. В литературе творили Шекспир и Сервантес, в живописи — Рембрандт и Рубенс. В Англии работали такие великие архитекторы, как сэр Кристофер Рен, Николас Хоксмур и сэр Джон Ванбру. Именно в это время трудились Галилей и сэр Исаак Ньютон. Эпоха барокко стала золотым веком искусства и науки.
В барочной музыке, как и в музыке Ренессанса, были широко распространены полифония и контрапункт, но использовались эти приемы совершенно иначе. Вместо переплетенных мелодий в барочной музыке появился солирующий голос или инструмент в сопровождении басового голоса. Монтеверди назвал новую технику, появившуюся в конце XVI века, secondo prattica (второй формой) в отличие от primo prattico (первой формы) Ренессанса. Басовый голос многоголосного сочинения получил название basso continuo (непрерывный бас). В basso continuo имелись свои аккорды, которые обозначались цифрами. Сочетание сольного пения с аккомпанементом basso continuo стали называть «монодией» (от греческого слова, обозначающего пение в одиночку).
Между музыкой барокко и Ренессанса существуют и другие различия. В эпоху барокко музыку часто писали певцы и музыканты-виртуозы, поэтому она была очень сложна для исполнения. В барочной музыке широко использовались «украшения» — часто они были импровизацией исполнителя. Музыкальные инструменты стали играть более важную роль. Традиция пения a cappella («в церковной манере»), то есть без инструментального аккомпанемента, начала постепенно уходить в прошлое.
В результате развития монодии появилась опера. Такой метод пения позволял слушателям четко слышать текст, исполняемый певцом-солистом в сопровождении музыкальных инструментов. Солисты получили возможность драматически интерпретировать музыку. Считается, что опера появилась благодаря флорентийской камерате — кружку любителей музыки, поэтов, ученых-гуманистов и профессиональных музыкантов. Эта группа возникла в конце XVI века.
Флорентийская камерата собиралась в доме графа Джованни де Барди. В нее входили композиторы Джулио Каччини и Якопо Пери, а также поэт Оттавио Ринуччини. Все они живо интересовались античным искусством и особенно древнегреческой музыкальной драмой. Результатом совместной работы Каччини, Пери и Ринуччини стала первая настоящая опера «Дафна» (1598). В 1600 году они же сочинили оперу «Эвридика».
Клаудио Монтеверди полагал, что сочетание музыкальной гармонии и текста должно широко использоваться в светской музыке. Он стал одним из самых заметных композиторов своего поколения. В 1607 году он написал оперу «Орфей». «Орфей» послужил важной вехой в истории развития новой музыкальной школы — в этой опере были прекрасно продемонстрированы новые эффекты и приемы.
Для постановки оперы требовалась сцена. В эпоху барокко появились первые залы, построенные специально для этой цели. Первый публичный оперный театр открылся в Венеции в 1638 году. Такие же театры вскоре появились во многих крупных европейских городах. Стоимость постановок была очень высока — требовались декорации, костюмы, спецэффекты. Неудивительно, что билеты стоили очень дорого (некоторые вещи никогда не меняются!) и опера считалась развлечением для элиты.
Светский характер оперы нравился не всем. Католическая церковь не принимала светской музыки, и во время религиозных праздников и постов оперы часто запрещали. Параллельно с оперой развивалась и религиозная музыка в стиле барокко — оратория. К концу эпохи барокко развитие этого жанра достигло апогея. Именно тогда появились «Мессия» Генделя и великолепная оратория «Сотворение мира» Гайдна.
Эпоха барокко дала нам не только оперу, но и оркестр. В этот период активно развивались музыкальные инструменты. Многие известные композиторы и музыканты этого времени работали при королевских дворах Европы и в аристократических семействах. При дворах существовали небольшие музыкальные ансамбли, исполнявшие новые сочинения. Эпоха барокко — период расцвета камерной музыки. Особую популярность приобретали различные музыкальные инструменты, в первую очередь скрипка. Но для исполнения опер небольших ансамблей было мало. Так появились оркестры.
К середине XVIII века сложность и богатство барочной музыки стали терять популярность. В истории музыки начался новый этап — классицизм.
Арканджело Корелли
Арканджело Корелли, которого современники прозвали Il Divino (Божественный), родился 17 февраля 1653 года в Фузиньяно, близ Болоньи. Он был не только композитором, но и известным скрипачом. Известность к этому итальянскому музыканту пришла в Париже в 1672 году. Хотя мы мало знаем о его юности, известно, что искусству игры на скрипке он учился у Джованни Баттисты Бассани, а композиции — у Маттео Симонелли.
Из Франции Корелли отправился в Германию, где с 1681 года работал при дворе курфюрста Баварии. Через несколько лет он вернулся в Италию. С 1685 по 1689 год Корелли жил в Риме под покровительством изгнанной шведской королевы Кристины и кардинала Пьетро Оттобони, племянника будущего папы римского Александра VIII, избранного на престол в 1689 году. С 1689 по 1690 год Корелли пребывал в Модене, где пользовался покровительством герцога Моденского. Остаток жизни композитор провел в Италии. В 1708 году он отправился в Рим, а затем в Неаполь.
«Имя Арканджело Корелли всегда будет занимать первое место в истории кончерто гроссо». Из книги «История музыки. Том 2: Ренессанс и барокко»
Корелли занимался не только композицией. Он дирижировал исполнением опер, ораторий и других масштабных произведений. В Италии под его руководством исполняли произведения Генделя. Оратория Генделя «Триумф Времени и Разочарования» была впервые исполнена в Риме в 1708 году.
Стиль исполнения Корелли сыграл важнейшую роль в развитии скрипичного искусства. Говорят, что пути всех знаменитых композиторов-скрипачей XVIII века ведут к Арканджело Корелли. Но Корелли использовал малую часть возможностей своего инструмента. Это очевидно по его рукописям: скрипичные партии у него очень редко поднимаются выше ре на первой струне, иногда достигая ми в четвертой позиции. Однажды Корелли отказался играть в увертюре Генделя «Триумф Времени и Разочарования» пассаж, достигавший ля, и глубоко оскорбился, когда композитор, который был моложе его на 32 года, с блеском сыграл эту ноту. Тем не менее, Корелли повлиял не только на итальянских композиторов. Его сочинения изучал Иоганн Себастьян Бах — в 1689 году он написал фугу для органа (BWV 579) на основе опуса 3 Корелли.
Многим обязано Корелли и музыкальное общество Рима. Корелли был вхож в самые высокие аристократические круги. Долгое время он устраивал знаменитые понедельничные концерты во дворце кардинала Оттобони. Будучи скрипачом-виртуозом, Корелли внес огромный вклад в развитие современной техники использования смычка и одним из первых использовал эффект двойных нот. Его сочинения поражают удивительной мелодичностью и искусностью аккомпанемента. Справедливо говорят, что он освободил музыку от строгих правил контрапункта.
Корелли умер 8 января 1713 года, оставив после себя значительное состояние и прекрасную коллекцию произведений искусства. Он похоронен в римском Пантеоне.
Корелли: скрипач-виртуоз, мастер «двойных нот»
Корелли был скрипачом-виртуозом. Его считают создателем приема «двойных нот» — когда две ноты играются одновременно. Именно ему мы обязаны разработкой современной техники использования смычка. Применяя этот прием, скрипач пальцами зажимает две отдельные струны и играет на них смычком одновременно, не переходя от струны к струне.
В книге Сесила Форсайта «Оркестровка» (Macmillan, 1914, репринт Dover, 1982) изобретение двойных нот приписывается итальянскому композитору, дирижеру и скрипачу эпохи барокко Карло Фарине. Его «Экстравагантное каприччио» (1627) было опубликовано в Дрездене, когда Фарина был скрипачом при саксонском дворе.
На сайте для скрипачей новичков предупреждают о том, что исполнять двойные ноты гораздо сложнее, чем обычные, поскольку нужно точно располагать два пальца на двух струнах одновременно. «Иногда приходится переходить в более высокую позицию, чтобы можно было физически расположить пальцы в нужных местах. Двойными нотами называют также одновременную игру на трех или всех четырех нотах, хотя было бы правильнее назвать такие приемы тройными или четверными».
Скрипач и писатель Клейтон Хэслоп (violinmastery.com) указывает, что исполнение двойных нот требует терпения и дисциплины, «даже готовности терпеть определенный дискомфорт, напоминающий артритные боли». Но наградой исполнителю будет «великолепное и почти уникальное для мира музыки звучание».
«Главная проблема — полностью контролировать руки и слух, — пишет Хэслоп. — Тогда двойные ноты будут красивыми и простыми для исполнителя. И все же это довольно сложный прием — вот почему педагоги пишут массу этюдов для отработки этой техники. Дам вам пару небольших советов. И первый: не следует сильно зажимать струны пальцами; играйте с минимально возможным давлением. Я даже не прижимаю струны к грифу, если не нужно играть фортиссимо».
Генри Перселл
Генри Перселл был сыном придворного музыканта, хориста королевской капеллы. Его отец пел на коронации короля Карла II. Точная дата рождения Перселла неизвестна, но считается, что он появился на свет 11 сентября 1659 года в Лондоне. С 1664 года после смерти отца Генри опекал его дядя, тоже хорист Королевской капеллы. Со временем он добился такого же права для племянника.
Перселл учился музыке у Генри Кука, а затем у Пелэма Хамфри. До ломки голоса он пел в хоре, но в 1673 году с пением пришлось расстаться. Тогда Генри назначили помощником Джона Хингсто- на, хранителя музыкальных инструментов короля. После смерти Хамфри в 1674 году Генри продолжил учебу у Джона Блоу и поступил в Вестминстерскую школу. В 1677 году Перселл сменил Мэтью Локка на посту композитора для королевских скрипок. В 1679 году он стал органистом Вестминстерского аббатства после своего учителя Джон Блоу, а через три года сменил Эдварда Лоу в должности органиста королевской капеллы.
Считается, что сочинять музыку Перселл стал в очень раннем возрасте, хотя первое достоверно принадлежащее ему сочинение — это ода, написанная в 1670 году в честь дня рождения короля Карла. В 70-е годы XVII века Перселл много сочинял и для церкви, и для театра — в частности, музыку к «Феодосию» и «Добродетельной жене». Но, став органистом Вестминстерского аббатства, Перселл практически полностью сосредоточился на религиозной музыке, предав анафеме свой прежний интерес к театру.
«Музыка — это ликование поэзии. Оба искусства могут существовать отдельно, но в слиянии своем они достигают совершенства, поскольку ни одно не стремится превзойти другое; они подобны остроумию и красоте, соединившимся в одном человеке». Вступление к «Диоклетиану», 1690
В 1682 году Перселл женился. У него было шестеро детей, но четверо умерли в младенчестве. В то же 1682 году он стал органистом королевской капеллы, оставаясь при этом органистом Вестминстерского аббатства. Он писал музыку для торжественных государственных церемоний — в том числе для коронации короля Якова II в 1685 году. Именно тогда он сочинил два своих самых известных гимна «Возрадовался я» (I Was Glad) и «Излилось из сердца моего слово благое» (My Heart Inditing). Перселл написал музыку для похорон королевы Марии в декабре 1694 года.
В конце 80-х годов XVII века он снова вернулся к крупномасштабной светской музыке. В 1689 году Перселл создал оперу «Дидона и Эней», которая считается одной из первых английских опер. После этого он продолжал сочинять и светскую, и религиозную музыку. В период с 1689 по 1695 год им была написана музыка не менее чем к 42 пьесам.
Генри Перселл умер 21 ноября 1695 года в своем доме в Динз-Ярд в Вестминстере. На его похоронах звучала музыка, написанная для погребения королевы Марии. Могила Перселла находится в Вестминстерском аббатстве, рядом с органом.
«Здесь лежит Генри Перселл, который покинул этот мир и ушел в то блаженное место, где его гармония может быть превзойдена». Эпитафия Перселла в Вестминстерском аббатстве
Антонио Лючио Вивальди
Антонио Лючио Вивальди родился в Венеции 4 марта 1678 года. Он был рыжим, отсюда и его прозвище — Il Prete Rosso, «рыжий священник». Самое популярное сегодня его произведение — «Четыре времени года», четыре скрипичных концерта, написанных в 1723 году, когда Вивальди жил в Риме. Опубликованы эти концерты были два года спустя. Антонио Вивальди, одареннейший скрипач, еще до завершения духовного образования считался настоящим виртуозом.
Отец Антонио, Джованни, был цирюльником, а затем стал профессиональным скрипачом. Это он первым начал учить сына музыке. Джованни являлся также одним из основателей Общества взаимопомощи музыкантов Санта-Чечилия. Президентом общества был Джованни Легренци, музыкант венецианского собора Святого Марка. Вполне возможно, что это он обучал юного Вивальди основам композиции.
В сентябре 1703 года Вивальди был назначен скрипичным мастером венецианской консерватории Оспедале делла Пьета — одного из множества сиротских приютов, где мальчиков обучали ремеслам, а девочек — музыке. Здесь принимали брошенных, но одаренных девочек. Под руководством Вивальди музыкальная репутация консерватории значительно повысилась.
Вивальди работал в консерватории около 30 лет, хотя и не постоянно, поскольку его должность подлежала ежегодной аттестации. В 1709 году он не был избран и целый год пропустил.
В этой консерватории Вивальди написал самые свои известные произведения. В 1716 году он стал музыкальным директором консерватории. Сочинять Вивальди начал в первой декаде XVIII века, но известность в Европе ему принесли двенадцать скрипичных концертов «Гармоническое вдохновение», которые были впервые опубликованы в 1711 году. Вивальди посвятил свои концерты великому герцогу Тосканы Фердинанду III. Фердинанд, известный меценат, очень любил музыку и покровительствовал композиторам, в том числе и Генделю.
Работая в консерватории, Вивальди писал преимущественно религиозную музыку, но сочинял и для венецианской оперы. В то время опера была одним из самых популярных развлечений. Вивальди создавал оперы — его опера «Оттон на вилле» была впервые поставлена в Виченце в 1713 году. Кроме того, он являлся одаренным импресарио и в 1714 году стал сотрудничать с театром Сант-Анджело. За операми Вивальди не забывал и о религиозной музыке. В 1716 году он написал ораторию «Юдифь торжествующая» (Juditha Triumphans) — поводом послужила победа Венеции над турками и возвращение острова Корфу.
В 1717 или 1718 году Вивальди стал придворным музыкантом правителя Мантуи, маркграфа Филиппа фон Гессен-Дармштадтского. За три года, проведенных в Мантуе, он сочинил несколько опер. В 1721 и 1722 годах он побывал в Милане, а в конце 1722 года переехал в Рим. Именно тогда он написал свое самое известное произведение «Четыре времени года» (Le quattro stagioni). Эти концерты были впервые опубликованы в 1725 году — тогда же Вивальди вернулся в Венецию.
«Вивальди блестяще сыграл сольную партию и в заключение добавил вольную фантазию, которая меня совершенно поразила, поскольку трудно было представить, чтобы кто-либо еще мог сыграть нечто подобное». Иоганн Арманд фон Уффенбах
В Милане Вивальди встретился с молодой певицей Анной Тесьери Жиро, которая стала его ученицей. Хотя никаких доказательств связи между ними не было, слухи о романтических отношениях между певицей и священником преследовали Вивальди до конца жизни.
По мере того как слава Вивальди росла, он стал путешествовать по Европе. В 1730 году он посетил Вену и Прагу, где состоялась премьера его оперы «Фарнак». В 1740 году Вивальди стал придворным музыкантом у императора Карла VI. Последние годы жизни, проведенные преимущественно в Вене, были омрачены болезнями (по-видимому, Вивальди страдал астмой) и финансовыми проблемами, которые усугубились после смерти Карла VI и падения популярности венецианской оперы. Вивальди ненамного пережил своего покровителя. Он скончался в ночь с 27 на 28 июля 1741 года в доме вдовы венского седельного мастера. Отпевание состоялось в соборе Святого Стефана, где среди хористов был юный Йозеф Гайдн. Похоронен Вивальди на кладбище церкви Святого Георгия.
Георг Фридрих Гендель
Георг Фридрих Гендель родился в Германии 23 февраля 1685 года, но большую часть жизни провел в Британии. Его по праву можно назвать самым крупным английским композитором XVIII века. В Англии он жил с 1710 года и самые знаменитые свои произведения написал именно здесь — и на английском языке. В 1727 году он принял британское гражданство. Гендель умер в Лондоне в 1759 году и был похоронен в Вестминстерском аббатстве.
Гендель родился в Галле, когда этот город относился к герцогству Магдебургскому. Отец его был цирюльником и хирургом. Первоначально интерес мальчика к музыке не вызвал энтузиазма у родных, но, убедившись в таланте сына, отец разрешил ему учиться музыке у органиста Мариенкирхе Фридриха Вильгельма Захова. Известность Генделя быстро росла. В 1698 году он играл в Берлине перед королем Фридрихом I. В 1702 году по желанию отца он начал изучать юриспруденцию в университете Галле, но в то же время занял должность органиста в городском соборе. Впрочем, прослужил он там лишь год, поскольку в 1703 году переехал в Гамбург и поступил в оркестр оперного театра.
В Гамбурге в 1705 году он сочинил свои первые крупные работы — оперы «Альмира» и «Нерон». В следующем году он получил приглашение от члена семейства Медичи и переехал во Флоренцию, а оттуда в Рим. Когда в Риме опера была запрещена, Гендель переключился на религиозную музыку — именно тогда он сочинил псалом Dixit Dominus.
И все же Гендель продолжал сочинять оперы, которые с большим успехом исполнялись во Флоренции и Венеции. В 1710 году он стал капельмейстером при дворе курфюрста Ганноверского Георга. Этот пост сыграл важную роль в карьере Генделя по двум причинам. Во-первых, он смог много путешествовать и впервые посетил Британию. (Возможно, длительные вояжи раздражали покровителя музыканта. Предполагается, что «Музыка на воде» была написана в 1717 году в знак примирения.) Во-вторых, в 1714 году Георг взошел на престол Соединенного Королевства, и это ввело Генделя в британскую культурную среду. Гендель писал много музыки для государственных церемоний, в том числе для коронации короля Георга II в 1727 году. Тогда впервые прозвучал гимн «Садок-священник», который теперь исполняется при коронации каждого британского монарха.
«Гендель — величайший композитор из когда-либо живших. Мне хотелось бы обнажить голову и преклонить колени пред его могилой». Людвиг ван Бетховен
Не ограничиваясь одними лишь официальными заказами, Гендель не переставал писать музыку и для театра. Кроме того, он оказался весьма хитроумным инвестором. Он оказался одним из немногих, кто сумел заработать на «мыльном пузыре» Южных морей: Гендель забрал деньги до крупнейшего финансового краха. Гендель занимал посты в Королевской академии музыки, Королевском театре и театре Ковент-Гарден. Но к середине 30-х годов XVIII века мода на итальянскую оперу, которую популяризировал Гендель, прошла. Здоровье композитора ухудшалось. И с 1737 года он обратился к новому для Англии жанру оратории. Лучшим образцом жанра стала оратория «Мессия», которая была впервые исполнена в Дублине 13 апреля 1742 года.
В 40-е годы XVIII века Гендель продолжал работать. К этому периоду относится такое замечательное произведение, как «Музыка для королевского фейерверка». Но в августе 1750 года, возвращаясь в Британию из Германии, Гендель серьезно пострадал, когда его карета перевернулась. В следующем году у него начало стремительно портиться зрение. Несмотря ни на что, он продолжал писать музыку. Последнюю великую ораторию «Иевфай» Гендель закончил в 1752 году.
Гендель умер 14 апреля 1759 года. Он был не женат и не имел детей. Все свое огромное состояние в 20 тысяч фунтов стерлингов он завещал племяннице, жившей в Германии.
Иоганн Себастьян Бах
В наши дни Иоганн Себастьян Бах считается одним из величайших композиторов эпохи позднего барокко. Для современников же он был всего лишь органистом, слава которого в области композиции заметно уступала славе его сыновей. Но в конце XVIII века его творчество было открыто заново, и сегодня мы причисляем его к числу самых значимых композиторов первой половины века.
Бах родился 31 марта 1685 года в немецком городе Айзенахе в семье капельмейстера Иоганна Амброзиуса Баха и Марии Елизаветы Леммерхирт. В 1684 году умерла его мать, а в следующем году — и отец, который начал учить сына игре на скрипке и клавесине. Юный Бах переехал к старшему брату, Иоганну Кристофу, который к этому времени уже был органистом церкви Святого Михаила в Ордруфе. Брат научил Иоганна Себастьяна играть на органе. В возрасте четырнадцати лет Бах получил стипендию в весьма престижной школе Святого Михаила в Люнеберге и проучился там два года. Помимо музыки, Бах изучал языки и другие предметы. В школе он познакомился с сыновьями известных семейств северной Германии.
Какое-то время Бах работал придворным музыкантом капеллы герцога Веймарского Иоганна Эрнста, а в августе 1703 года стал органистом церкви Святого Бонифация в Арнштадте. Именно здесь Бах начал сочинять музыку, хотя пребывание в Арнштадте не было безоблачным. Он без разрешения уехал за 250 миль в Любек, чтобы посетить органиста Дитриха Букстехуде, а в августе 1705 года едва не устроил дуэль со студентом. В 1707 году Бах решил покинуть довольно комфортное место и занять должность органиста церкви Святого Власия в Мюльхаузене. В Мюльхаузене же Бах женился на своей кузине Марии Барбаре Бах. У них было семеро детей. Двое — Вильгельм Фридеман и Карл Филипп — стали композиторами, и слава их в то время превзошла славу отца.
Хотя в Мюльхаузене Бах руководил постройкой нового органа, в этом городе он провел всего год. В 1708 году он стал органистом и капельмейстером при дворе герцога Веймарского. Карьера Баха в Веймаре складывалась вполне успешно. Он сочинял музыку для клавесина, органа и оркестра. Но со временем Бах вышел из фавора и в 1717 году уволился, перед этим проведя месяц в тюрьме.
Из Веймара Бах переехал в Кетен, где получил должность капельмейстера при дворе князя Леопольда Ангальт-Кетенского. В Кетене Бах провел шесть лет. Князь Леопольд был кальвинистом, поэтому большая часть сочинений Баха того времени носила светский характер. В 1721 году он написал знаменитые «Бранденбургские концерты».
«Конечной целью и причиной всякой музыки должно быть только прославление Господа и укрепление духа». Иоганн Себастьян Бах
В 1720 году в Кетене умерла первая жена Баха. В 1721 году он женился повторно. Анна Магдалена Вильке родила ему тринадцать детей, причем трое из них стали известными музыкантами.
После смерти князя Леопольда Бах в 1723 году переехал в Лейпциг, где стал кантором школы Святого Фомы. В Лейпциге Бах написал большую часть своих кантат. В 1724 году состоялась премьера его «Страстей по Иоанну», а в 1729 году — «Страстей по Матфею». В марте 1729 года Бах стал директором Музыкальной коллегии. Этот ансамбль, созданный в 1701 году, специализировался на исполнении светской музыки. В 1733 году Бах написал Kyrie и Gloria. Позже эти произведения стали частями мессы си минор, работу над которой композитор завершил лишь в следующем десятилетии. Рукопись он преподнес курфюрсту Саксонии и королю Польши Августу III, когда пытался стать придворным композитором, что ему и удалось.
В 1746 году зрение Баха резко ухудшилось. В следующем году он побывал в Потсдаме, где его сын Карл Филипп Эммануэль работал при дворе Фридриха Великого. В Потсдаме Бах играл для короля. Одна из импровизаций, исполненная в то время, позже стала «Музыкальным приношением». Вернувшись в Лейпциг, Бах продолжил работу над своим последним шедевром, циклом «Искусство фуги», который так и остался незавершенным. Бах умер 28 июля 1750 года после неудачной операции на глазах, проведенной известным британским хирургом Джоном Тейлором.