Что можно спросить у художника
EBRAIKA
Itzik Manger
De pe bloguri adunate
Журнальный столик
Книжный шкаф
Наши люди
Общины
vizualizări
10 вопросов художнику
10.12.2018 
Блог 
15 комментариев
Сутки. Это мало или много?
Как кому! Для творческих людей,
Полных дел и всяческих идей,
Сутки — это краткая дорога.
Эдуард Асадов
Олеся ШИБАЕВА – личность в нашем городе известная: участница выставок, проходивших как в Молдове, так и за её пределами, обладательница дипломов за вклад в искусство.
Уникальное, тонкое ремесло-роспись по батику увлекло Олесю ещё в юности, и как хорошо, что « не отпускает» до сих пор! Сколько работ мы ещё увидим! Вдохнём запах моря, аромат цветов, полюбуемся ярким оперением экзотических птиц, мысленно примерим на себя яркий, экстравагантный наряд красотки с картины.
Женщины и цветы – это отдельная строка в книге творчества Олеси. Как аллегорично и, вместе с тем, метко выразилась художница – женщины и цветы похожи. И мы не можем с этим не согласиться.
Я не буду спрашивать у Олеси то, что спрашивали до меня уже много раз. Об этой улыбчивой, как бы светящейся изнутри девушке, было написано немало статей. Сегодня, после международного дня художника, будет «уютная», тёплая, неформатная беседа, и, возможно, личность художницы откроется нам с другой стороны…
Итак, 10 вопросов художнику :
1.Вопрос: Опиши свой обычный день
2.Вопрос: Есть ли у тебя какие-нибудь ритуалы, которым ты следуешь, прежде чем начать творить? Приметы, в которые веришь?
Олеся: Меня вдохновляет музыка. А если ещё и чашечку капуччино с мармеладками… Пожалуй самые удачные мои работы созданы под звуки хорошего джаза и под ароматом хорошего кофе.
3. Вопрос: Последняя прочитанная тобой книга и впечатления о ней?
Олеся: «Жажда жизни» Ирвина Шоу. Книга о Ван Гоге — одном из величайших художников импрессионизма. Я была потрясена.
4. Вопрос: С кем из твоих кумиров-художников тебе бы хотелось встретиться?
Олеся: Мой кумир – Густав Климт. А так же хотела бы встретиться с Сергеем Давыдовым, ведущим русским художником в технике батик. Думаю что нам было бы о чём поговорить 🙂
5. Вопрос: Продолжи фразу: я никогда не нарисую...
Олеся: Пожалуй я никогда не нарисую жестокость, страдания, слёзы. Я вообще по натуре — позитивный человек и у меня нет такого, чего бы я не смогла нарисовать. Меня привлекает любой сюжет… Просто некоторые темы могут занять больше времени для их реализации.
6. Вопрос: Первое, что ты делаешь, придя домой...
Олеся: Мыслей много, и дел – не меньше (не только творческих, но и житейских). Во первых я — мама. И как все мамы я проверяю уроки, готовлю ужин. Конечно же общаюсь со своими близкими — мама сын и бабушка: вместе обсуждаем события прошедшего дня. Потом, когда уже все спят, приходит время для себя и для творчества.
7. Вопрос: Продолжи фразу: Я люблю...
Олеся: Сына, жизнь и путешествия. Вместе с сыном, моим «любимым мужчиной», мы объездили, пусть не пол-мира, но тоже достаточно мест для впечатлений. Люблю свою работу и благодарна Всевышнему, что моё хобби стало сегодня моей профессией.
8. Вопрос: Чего бы ты хотела для своего сына?
Олеся: Он у меня разносторонний ребёнок: занимается спортом, обожает математику, как любого пацана — не оттащить от компьютера и, конечно же рисует. А хочу я для него, как любая мама, чтобы он вырос настоящим мужчиной, человеком с большой буквы, нашёл себя в жизни, реализовал себя и никогда не изменял своим принципам.
9. Вопрос: «Сливаешься» ли ты с персонажами своих работ, как актёр входит в образ?
10. Вопрос: Чего бы ты посоветовала не делать начинающему художнику?
Вопросы задавала Екатерина Лукьянец.
Собеседование в гейм-индустрии. Список вопросов 2d художнику при устройстве в игровую компанию
На днях я прошла собеседование в одной небольшой игровой компании по созданию казуальных мобильных игр и приложений. Это было собеседование на позицию 2d художника (2d artist). Так как я ранее не работала именно в игровой сфере, но все же работала иллюстратором, то вопросы соответственно были общими, как на позицию junior-художника.
Вопросы которые вам будут задавать могут отличаться в зависимости от ваших ответов в предварительной анкете, портфолио и пройденного тестового.
Так я выполнила тестовое.
Тестовое кстати скорее обязательный пункт, даже при наличии портфолио, так как портфолио не всегда попадает в стиль компании. А если и попадает, то нужно уложиться в поставленные сроки (мне дали три дня на три задания). Если вы его сдаете в срок, а качество и стилистика работ соответствует, вас зовут на собеседование.
Кстати тут не стоит особо раскатывать губу. То что ваши работы понравились еще совсем не означает что вас возьмут даже на стажировку. Тут важно подготовиться к предстоящим вопросам и не испортить первое впечатление о себе. Вопросы, которые задавали мне:
Вы также можете задавать свои вопросы и лучше их задать. Возможно вы что-то упустили или не знаете. Например про длительность испытательного, зарплату, ее официальность или то, чем вы конкретно будете заниматься на работе.
Если все пройдет хорошо, то вас пригласят на стажировку/ испытательный срок. Если говорят “мы подумаем”, “мы вам перезвоним”, то это значит вас не взяли, увы.
В любом случае – не отчаивайтесь. Поищите еще вакансии, скорректируйте портфолио и попробуйте снова. Порой люди устраиваются не с первого и не с пятого раза. Это нормально! Можно кстати попробовать написать в ту же компанию спустя несколько месяцев или год. Потребности в художниках могут меняться и стилистика игровых проектов тоже.
P.S. Напишите какие еще вопросы задавали вам. Это поможет сформировать более широкий список и поможет кому-нибудь устроится на позицию 2d artist/ junior.
Удачи вам, лично от меня!
Оставьте комментарий Отменить ответ
Для отправки комментария вам необходимо авторизоваться.
«Я художник. Что мне делать?»: ответы на 9 важных вопросов об арт-мире и о вашем месте в нем
Как понять, сколько должна стоить работа? И почему она оценивается так, а не иначе?
Анна Наумова, сооснователь онлайн-галереи Sample, арт-директор ярмарки молодого искусства Blazar:
«Точной формулы нет, но есть несколько критериев, которые влияют на стоимость работы.
Во-первых, это имя художника. Если этот автор уже сделал себе имя, участвует в выставках, то, конечно, он будет стоить дороже. Цена часто начинает расти, если работы художника покупает крутой коллекционер или берет в свое собрание музей или фонд.
Во-вторых, это уникальность работы и ее доступность на рынке. Тиражное искусство всегда будет доступнее, а работы авторов, которые закончили свою карьеру (и успели сделать себе имя), будут дороже. Плюс у каждого художника есть серии и циклы, которые стоят выше. Узнаваемые и характерные для художника произведения — тоже.
И самое прозаичное и очевидное — стоимость материалов. Есть работы, где сами материалы и время работы будут изначально давать высокую цену».
Почему одни и те же молодые художники получают большое количество рекламных контрактов и грантов? Как стать одним из них?
Мария Кравцова, куратор, арт-критик, шеф-редактор сайта Artguide и русской версии журнала Garage Magazine: «Рекламные контракты и гранты — это две абсолютно разные истории. Мы по практике видим, что часть художников действительно интегрируется в коммерческую сферу и успешно сотрудничает с брендами, коммерческими институциями. Здесь нужны навыки маркетинга и селф-промо. Сейчас это особенно хорошо с уличными художниками, которые работают с фигуративом. А другая часть реализует себя и комфортно себя чувствует в системе грантов и находит институциональную поддержку. Чтобы получать больше грантов, надо понимать, как это делать — правильно заполнять документы, отслеживать конкурсы, понимать эту систему (здесь есть сезонность). Это отдельная и довольно тяжелая работа, которая требует много времени, но она имеет хороший результат. Например арт-группа из Калининграда «Нежные бабы», которая за рубежом известна даже больше, чем в России, получает много тревел-грантов в резиденции. Для них это идеальная форма творчества, которой они умеют пользоваться».
Что почитать и посмотреть о мире современного искусства, чтобы получить о нем реальное представление, с точки зрения художника?
Мария Кравцова: «Процесс обучения, если вы художник, должен идти всю жизнь. Одним разом тут не ограничиться. Нужно следить за международным контекстом. Могу посоветовать подписку E-flux, вам каждый день будет приходить по 30 писем с открытиями по всему миру, грантовыми программами, резиденциями, анонсами творческих конкурсов. Или вы можете следить за летной «Артгида» — там все переведено, упаковано и отобрано. Художнику еще важно знать актуальные теории, которые институциируют форму и существование современного искусства. Нужно следить в целом за активным художественным процессом, отсматривать работы своих современников и по возможности путешествовать. В последнем как раз помогут гранты».
Нужно ли бояться определения «коммерческий художник»? Где грань между плохим и хорошим смыслом этого выражения?
Николай Кошелев, художник: «Наверное, нужно. Но если ты коммерчески успешный, делаешь круизную коллекцию с Louis Vuitton и вещи разлетаются еще до релиза, а ресейлеры умножают ценники на 7, то это комплимент. Абсолютно другая история, когда «коммерческий художник» имеет негативное значение в профессиональном сообществе. Это когда в плане у артиста стоит зарабатывание денег и весь его «продукт» просчитан по критериям и спросу рынка. Настоящее искусство очень сложно и многослойно, а коммерческое искусство всегда очень вульгарно».
Если к художнику пришел некий коммерческий бренд Х с предложением о сотрудничестве, как понять, не навредит ли оно репутации в дальнейшем?
Николай: «Все зависит именно от бренда. Если это дом мод Dior, то это фантастически интересно, даже просто в профессиональным плане. Ты работаешь с историей и сегментом, который понимает актуальную повестку. А когда ты делаешь стаканчики для кофе, тут уже есть вопросы… Зачем ставить на них свое имя? Чтобы люди выбрасывали их, как только закончится напиток?»
Нужно ли, чтобы художника представлял агент или галерея, или можно справиться самостоятельно?
Николай Кошелев: «Обязательно! И для меня лично это критически важно, чтобы такая помощь была. Это помогает разгрузить себя, тратить свое время концентрированно. И всегда нужно платить комиссию с продаж, чтобы замотивировать команду. Важно окружать себя людьми, которые в тебя верят (порой даже больше, чем ты сам), потому что будут моменты, когда именно они смогут вытянуть тебя из творческого кризиса, который приходит каждые полтора года. Когда вы распределяете задачи, то повышаете общий КПД и можете быть уверены, что каждый — профессионал своего дела и вкладывается на 100% по своему профилю».
Сейчас очень много говорят о том, что когда речь заходит о молодом искусстве, имеют в виду, как правило, искусство московское. Есть ли этот перекос и правда? Что делать художнику не из Москвы?
Алиса Савицкая, куратор, начальник отдела выставок Волго-Вятского филиала ГМИИ им. А. С. Пушкина (Арсенал, Нижний Новгород): «Количественный перекос, безусловно, есть. Москва — крупнейший город в нашей стране, в котором аккумулировано множество культурных и образовательных ресурсов. В Москве проще учиться, делать карьеру и общаться с единомышленниками. Однако качественного перекоса нет. За пределами столицы живет и работает множество замечательных авторов, а возможностей стать видимым на расстоянии сегодня очень много. Соцсети создают эффект присутствия, кураторы ездят по стране с исследованиями. Мне кажется, самое важное — найти удобную и не противоречащую собственной художественной стратегии форму коммуникации с профессиональным сообществом. Ну, и стараться побольше путешествовать».
Как вообще понять, что вы можете позиционировать себя как художник? Многие боятся или стесняются себя позиционировать таким образом, совмещают арт-работу с «официальной» и годами сомневаются в себе
Алиса: «Одни художники понимают это сразу, другие на протяжении многих лет ищут свою идентичность. Сомнение — совершенно нормальное чувство для любого человека, занимающегося искусством. Часто именно сомнение становится основой или предпосылкой произведения. Важно научиться переводить свою неуверенность в конструктивное русло, не замыкаться в собственных ощущениях и самокопании. Тем более что мы живем в эпоху междисциплинарности и в совмещении разных профессий нет ничего зазорного. Важно работать и воплощать свои идеи, а лишние занятия со временем уйдут сами собой».
Как попасть в арт-комьюнити, с чего начать?
Алиса: «Нужно знакомиться и общаться. Встречи с кураторами, арт-менеджерами и продюсерами очень важны. Но мне хочется сделать акцент на коммуникации с другими художниками. Попробуйте найти близкую вам компанию молодых авторов или напроситесь в гости в мастерскую к кому-нибудь из уважаемых вами мэтров. Не бойтесь задавать вопросы о том, как придумываются и создаются произведения. Общение с художниками дает бесценный опыт, множество практических знаний и чувство причастности к большому художественному процессу».
ПОГОВОРИТЬ С ХУДОЖНИКОМ, ИЛИ СТО ДЕТСКИХ ВОПРОСОВ
Приблизительное время чтения: 8 мин.
Стоя перед картиной, зритель задается как минимум тремя вопросами: как, чем и зачем? Ведь по большому счету нам важнее всего понять: что вдохновило, как удалось добиться эффекта (реальности или нереальности) и что было в руках у художника (карандаш, перо, кисть), когда он работал. Как правило, лишенные возможности задать свои вопросы и услышать ответы, мы вынуждены фантазировать, строить домыслы и утешаться догадками. Рембрандта не спросишь, почему у него так много портретов жены. Хотя ответ напрашивается сам: очень любил, а она его вдохновляла. Совсем другое дело, когда художник жив-здоров и с завидной регулярностью проводит персональные выставки: ему можно задать вопросы, которые волновали и тревожили давно.
Возлияние мира, уход Иуды
В конце декабря художница Елена Черкасова традиционно открыла небольшую персональную выставку в «Культурном центре «Покровские Ворота» в Москве, удивив публику серией графических работ.
Состаренная бумага для набросков, красно-коричневая гамма, темные паспарту и рамы. Казалось бы, все это неспособно создать праздничное рождественское настроение. Однако именно настроение торжества, торжества жизни над смертью, и райской радости как никогда пронзительно прозвучало в работах художницы.
Рисунок всегда считался у художников жанром вспомогательным и учебным. С рисунка обучение, собственно, и начинается: шар, конус, куб. Да и бумага недолговечна. Потому художники используют ее, как правило, в качестве материала для набросков и этюдов. Однако рисунки Елены Черкасовой самоценны. Каждый из них — отдельная реплика, цитата из Библии, а еще точнее, попытка высказаться здесь и сейчас о том, что потрясло и отложилось где-то на дне подсознания. Все вместе рисунки складываются в мозаику, в единый длинный текст, который продолжаешь и продолжаешь читать, следуя за поворотами мысли художника.
Горе тебе, Хоразин! Горе тебе, Вифсаида!
— Почему графика? — обращаюсь к Елене.
— У меня не получается одновременно писать красками и рисовать карандашом. Появился заказ на графику, я погрузилась в нее. Летом начала думать над будущей выставкой, но так и не смогла переключиться из «графического режима» и решила, что моя новая серия будет в рисунках.
— Рисунки. Само это слово какое-то несерьезное.
— А они и есть несерьезные,— улыбаясь, отвечает художница.
— Но как же! тема такая.
— Тема-то да, а художник не очень, — говорит Елена, слегка смущаясь.
— Кто-то из почитателей определил ваше творчество как «концентрированную живопись на пределе цветовой насыщенности». Я так понимаю, что для многих зрителей декоративность Ваших работ важна. Графика — это же не смена амплуа?
— Нет, конечно, хотя в Москве сейчас такая погода, что хочется чего-нибудь яркого. Но если я перейду в живопись, то в ней же и останусь.
— Кто-то называет Вашу живопись иконографией вне канона, кто-то возражает, говоря «реализма маловато». Как Вы к таким словам относитесь?
— «Реализм» — не умею и не люблю. Меня он не увлекает. Можно было бы приложить усилия, сосредоточиться и научиться, но мне самой неинтересен реализм. Конечно, великому художнику и реализм простишь, но мне он совсем ни к чему.
— А иконы писать у Вас не возникало желания? — продолжаю допытываться я.
— Где вы черпаете идеи?
— В христианском искусстве.
— Ходите на выставки?
— В основном книжки смотрю и читаю. У меня в детстве была книга с фаюмскими портретами. Мне она безумно нравилась. Оттуда моя любовь к коптской и эфиопской книжной графике. В книжных иллюстрациях гораздо больше свободы.
— Москва — город, в котором художественная жизнь, кажется, находится в верхней точке кипения. Кто-то оказывает на вас влияние?
— Год назад я была на выставке «Сотканный мир египетских христиан» в ГМИИ. Это была выставка коптских тканей, обнаруженных при раскопках могильников и выполненных в традиционной гобеленовой технике с богатыми орнаментами и вставками. Когда своими глазами видишь покрывала, ковры, завесы, всю эту живую древность — понимаешь, как невероятно все это красиво и строго; как воедино слились в орнаментах представления коптов о времени, жизни, красоте. На выставке я купила альбом. Его приобретение отчасти и повлияло на создание представленных на выставке работ. Вообще, когда смотришь что-то подобное, кажется, ничего больше не надо — просто возьми и повтори. Но перенести напрямую не получается. В голове все должно усвоиться, прижиться, стать твоим — и только тогда оно сможет обернуться какими-то новыми собственными мелодиями. Мои впечатления, переработанные, переосмысленные стали основой нынешней выставки.
— А современные художники влияют на ваше творчество?
— Примерно тогда же в Пушкинском музее была дивная выставка Пикассо. И он если и повлиял, то в том смысле, что с ним мне передалось чувство свободы. Посмотришь выставку, тем более такую прекрасную, и это чувство свободы тебя окрыляет. Возвращаешься домой, раскрываешь крылья и некоторое время паришь.
Конечно же, среди моих друзей есть замечательные художники: Катя Корнилова, Алексей Чаругин, но я не перекликаюсь с ними в творчестве. Они восхищают меня как художники, но творчески я даже не пытаюсь к ним приблизиться, хотя вдохновение черпаю. Передернуть — это совсем не интересно. Другой вопрос, что сильное впечатление обязательно отразится на твоем творчестве. Это неизбежно.
— Вы в своем творчестве обращаетесь к библейским сюжетам. Иванов — в своем «Явлении» — стремился к совершенству. Ге в «Распятии» — хотел заставить рыдать. А Вы?
— Я не ставлю перед собой задачи воздействовать на зрителя. А вот нарисовать картинку, увидеть ее — да. Я не хочу работой что-то сказать, но пожить в ней самой, увидеть воплощенной идею очень хочу. Ведь замыслить картину это одно, и совсем другое — увидеть свой замысел воплощенным. Работа ведет, это и есть творческий процесс. Это как книгу написать или стихотворение. Ты можешь задать размер, материал, но внутри работа будет требовать от тебя: ты мне сюда добавь черненького, а здесь полегче, здесь сотри, а вот это используй как эскиз, и вообще рисуй заново. Работа всегда ведет за собой и рождается неожиданно.
Пророчество Исайи гл.11 стихи 6-9
— А почему в Ваших работах на нынешней выставке так много животных?
— Потому что я их люблю рисовать. Три кота у меня дома, в деревню ездим вместе.
— А как же олени, львы и рыси?
— Нет, львов дома нет, и в деревне тоже нет, только в Яндексе.
— А почему на лицах ваших людей нет ртов?
— Потому что мне нравится рисовать большие глаза. Если нарисуешь большие глаза, то нужно рисовать длинный нос, и тогда рот уже не помещается. А если рисовать правильные черты лица, то глаза уже не могут быть такими большими. Мне кажется, что глаза на картинах выразительнее, чем рты. Впрочем, я боролась с собой, пыталась рисовать рты, но они становились с каждым разом все меньше и меньше. У мужчин борода — с ними совсем просто.
— То есть лица без ртов — это не символ?
— Теорию, конечно, можно подвести, но на самом деле — все это из-за глаз. По сути, все это гипертрофированный фаюмский портрет. Мне бы пришлось более тщательно рисовать все. Но зачем? Это же лишь знак. Глаза, брови, нос.
— На выставке две картины Рождества и совершенно замечательные Вера, Надежда, Любовь и София. Почему Вы вновь обращаетесь к этим образам?
— Как-то я написала картину по притче о праведных девах. Неразумных чего рисовать, они остались там, а разумные — уже в раю. Я изобразила их купающимися в благодати, они плещутся в воде с птицами, с цветами, с ангелами разговаривают. Среди них я изобразила Веру, Надежду, Любовь. И Софию, которая сидит на берегу и глаза закрывает рукой, сама себе не веря, что пережила и где оказалась. Ее вера немыслимая. Дочери ее, принимая страдания, восклицали, что муки им в радость. Но ей-то каково было все это наблюдать? Их житие прочтешь один раз — и перечитывать уже не нужно, оно впечатывается в память навсегда. А мне вновь и вновь хочется говорить о райской радости, поэтому и пишу. Когда тема увлекает, хочется рисовать и рисовать, все сложнее и со многими подробностями. Но начать — не значит кончить. Все сопротивляется тебе.
— Наивный художник — не обидное определение?
— Ну я же наивный художник. У меня нет специального художественного образования, и я не рисовала часами обнаженную натуру. Когда-то я жалела, что не поступила в художественный вуз, но потом поняла, что это хорошо, потому что при моей мягкости меня бы просто поломали. И я не стала бы художником вообще. Была бы кем угодно: дизайнером, оформителем. Когда я обратилась в Православие, оно меня пленило, сама эта жизнь православная меня захватила, и я оставила рисование на 15 лет, хотя до этого рисовала портреты, пейзажи, чего-то искала, и это было не наивное искусство. Со временем пришло понимание, что если рисовать, то именно наивно. Не нужно никакого «искусства», но и иконописи не нужно. Нужно просто не бояться, не бояться рисовать «плохо». И сейчас я рисую только потому, что не боюсь рисовать. По большому счету мою живопись нельзя называть и наивной, все-таки я занималась академическим рисунком и значит утратила наивность, обратно ее не вернешь. Взгляд у меня стал вычурным. Но мне кажется, что я нашла свою нишу, мне в ней комфортно, во всяком случае, вылезать отсюда я пока не хочу.