Что изучает история рисунок

Как человек начал рисовать?

С вопросом о том, как человек начал рисовать, связан вопрос о том, как появилось искусство вообще. Ученые, впервые обнаружив наскальные рисунки древних людей, задались вопросом, а зачем вообще людям потребовалось создавать эти рисунки. Очевидно, что первым инструментом для рисования был уголек, который первобытный человек взял из костра. Позднее человек стал изготавливать краски. Краски, которыми эти рисунки были сделаны, приготовлялись из минералов, в которые добавлялись животные и растительные жиры. Интересно, что в наскальной живописи преобладают красный и черный цвета.

Как появились первые рисунки?

Человек опускал пальцы в краску и проводил ими по стене пещеры. Постепенно человек стал замечать, что если линии располагать определенным образом, то получаются изображения, которые напоминают животных, растения, деревья и даже людей. Человек мог опускать в краску всю ладонь, которую затем прикладывал к стене. Иногда он обводил собственную руку. Рисунки ладоней часто встречаются в наскальной живописи древних.

Рисунки первоначально выдалбливались на стене пещер, а затем по процарапанному или выдолбленному трафарету обводились красками. Возникает вопрос: почему чаще всего древние люди рисовали именно животных? Все очень просто. Древние люди были прежде всего охотниками. Животные составляли их добычу. Поэтому очень часто в наскальной живописи можно увидеть изображения сцен охоты.

Известные образцы наскальной живописи

Самые известные образцы наскальной живописи древних находятся в Испании (пещера Альтамира); во Франции (пещера Ласко); в России в Башкирии (Капова пещера).

Рисование приобрело для человека магический смысл. Нарисовав удачную охоту, он верил, что реальная охота тоже будет удачной. Но со временем, очевидно, человек стал рисовать для того, чтобы просто украсить пещеру, в которой он жил.

Источник

Рисунок: суть, виды, типы, техники и краткая история

Рисунок — это древнейшая разновидность изобразительного искусства, подвид графики и структурная основа любого изображения. На протяжении многих лет он оставался по сути лишь подсобным инструментом в работе художника, скульптора или архитектора. Большинство творческих личностей после окончания работы над очередным произведением обычно выбрасывали многочисленные эскизы и зарисовки. Лишь в начале XX века рисунок признали в качестве полноправного автономного вида живописи.

Рисунок для мастера служит удобным средством познания действительности и отображения ее в своем художественном произведении. В процессе рисования с натуры или по памяти живописец тщательно анализирует формы изображаемых предметов, определяет для них идеальное место в композиции.

Рисунок помогает человеку запечатлеть на бумаге отдельные моменты творческого поиска. За длительный период работы над картиной первоначальные замыслы и настроение автора нередко кардинально меняются. Просматривая многочисленные наброски и эскизы, живописец заново погружается во внутренний мир собственных переживаний и воспоминаний.

Виды рисунка и их отличительные черты

Рисунок в искусстве представляет собой изображение предметов с помощью разнообразных графических средств: точек, линий, штрихов, пятен. Существует огромное разнообразие его видов, которые различаются по многим критериям:

В зависимости от детализации художественной композиции и сложности исполнения различают несколько основных видов:

История рисунка

История рисунка берет свое начало с самых истоков человеческой цивилизации. На протяжении многих тысячелетий до появления письменности наши предки изображали сцены из охоты, фигуры людей и животных на стенах пещер для передачи друг другу важной информации. Древняя наскальная живопись имеет огромную историческую ценность, но не представляет интереса для искусствоведов и художников.

Вплоть до XIV века между рисунком и живописью не было принципиального различия. Художники не использовали светотени и штриховые моделировки. На египетских пирамидах и древнегреческих вазах господствует схематическое изображение предметов и людей.

С началом эпохи Возрождения происходит бурное развитие и становление рисунка. В это время закладывается фундамент теории и практики европейского искусства. Рисунок используют в станковой живописи разных жанров выдающиеся мастера эпохи Рафаэль Санти (Raffaello Santi) и Микеланджело Буанаротти (Michelangelo Buonarroti). Рождаются на свет удивительные графические работы Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci), Паоло Веронезе (Paolo Veronese) и Тициана (Tiziano Vecellio). Альбрехт Дюрер (Albrecht Dürer) поднимает ксилографию на уровень настоящего искусства.

В конце XVI века впервые появляется понятие академический рисунок, возникает стройная классическая система обучения художников. В тот период становится массовым увлечение начинающих авторов копированием образцов признанных мастеров.

В XVII веке в творениях Рембрандта (Rembrandt), Рубенса (Rubens) и других мастеров рождается реалистический рисунок. Эпоха Барокко привносит в рисование динамику и пышность, а рококо — утонченность и детализацию сюжетов.

На рубеже ХVIII-XIX веков в искусстве господствует романтизм. Изображения приобретают экспрессивную выразительность, большой популярностью пользуются героические сюжеты.

В конце XIX века происходит зарождение нового явления в массовой культуре — иллюстраций для печатных изданий. На зрителя обрушивается огромное количество изображений с полос афиш, страниц газет и журналов.

XX век также вносит свой вклад в развитие рисунка. Появляются новые его разновидности:

Самые знаменитые рисунки

Среди знаменитых работ гениальных художников рисунки отнюдь не занимают лидирующие позиции. По популярности они все-таки уступают пальму первенства более эффектным и красочным картинам известных мастеров. Но давайте отдадим дань уважения этому виду искусства и вспомним несколько значимых работ.

«Витрувианский человек» Леонардо да Винчи. Изображение обнаженного мужчины в двух пропорциях кисти великого мастера уже более 500 лет служит образцом внутренней симметрии человеческого тела и даже Вселенной.

«Лукреция» Рафаэль. Это произведение дошло до нас, не в последнюю очередь, благодаря желанию менее известных современников скопировать шедевры мастера. Маркантонио Раймонди на основе этого эскиза создал свою знаменитую гравюру.

«Меланхолия» Альбрехт Дюрер. Таинственный эстамп великого немецкого художника имеет небольшие размеры — всего 23,9 × 18,8 см. Тщательно прорисованная гравюра содержит множество явных и скрытых символов. Интересный факт — живописец был по натуре меланхоликом, как и множество гениальных творческих личностей всех времен.

«Сон разума рождает чудовищ» Франциско Хосе де Гойя (Francisco José de Goya). Офорт одного из самых ярких представителей стиля романтизма создан на основе простой испанской поговорки. Но великий Гойя сумел создать гениальное произведение из обыденной вещи.

Значение рисунка в искусстве сложно переоценить. С его помощью художники ищут новые интересные идеи и композиции для своих произведений. Многие работы старинных и современных мастеров можно приобрести на сайте Very Important Lot. Также посетители нашего портала имеют возможность принять участие в онлайн-аукционах.

Источник

Эволюция рисунка

От палеолита до наших дней

«Юношам, которые хотят совершенствоваться в науках и искусствах, прежде всего надо научиться рисовать»
Леонардо да Винчи, «Трактат о живописи»

Первые человеческие рисунки (по крайней мере те, чей приблизительный возраст удалось установить) датируются каменным веком. От эпохи палеолита до нас «дожили» изображения животных и людей, нацарапанные на камнях или нарисованные на стенах и сводах пещер. Несмотря на то, что рисунок и по сей день остается важнейшей составляющей живописи, многие ценители искусства зачастую уделяют ему куда меньше внимания, чем стоило бы, считая его лишь «подготовительным этапом работы» при создании картины.

Предлагаем вам взглянуть на эволюцию рисунка и развеять мифы о его вторичности, а заодно проследить, как с веками менялся этот древний вид искусства — от примитивных линий, нацарапанных на камне, к линиям нарисованным, способным передать красоту текстур и отблеск света. Кроме того, в этом материале мы уделили особое внимание технике рисунка, а также инструментам и материалам, во многом благодаря которым и происходила эволюция художественных стилей и живописи в целом.

© Наскальный рисунок эпохи палеолита — ykt.ru

Предыстория

Как известно, в искусстве Древнего мира рисунок занимал абсолютно господствующую роль. Если разобраться, то, по сути, и вся египетская живопись, и греческая (роспись ваз) — это тот же контурный рисунок, в котором краска играла второстепенную роль: с помощью нее заполняли заранее начерченные силуэты.

В Средние века понятия «живопись» и «рисунок» продолжали быть неразрывно связанными: византийская мозаика представляла собой плоскостное изображение с абстрактным (золотым или синим) фоном, средневековая миниатюра — что-то среднее между станковой живописью и орнаментальным украшением, цветной витраж готических соборов — все тот же контурный рисунок, только расцвеченный.

Принципиальная граница между живописью и рисунком была прочерчена в переходный для всего человечества период — в эпоху раннего Возрождения, спустя несколько десятилетий после пандемии «черной смерти» (от которой погибло едва ли не 50% населения Европы). В связи с меняющейся на глазах ролью человека в обществе художники начинают отделяться от так называемых цехов, создавая индивидуальные именные мастерские. В этот же период происходит и отделение живописи от архитектуры — кроме настенных фресок появляются алтарные и станковые картины. Именно с эпохи раннего Возрождения о графике можно говорить как о самостоятельной области искусства.

© Альбом архитектора Виллара де Оннекура, пергамент, около 1235 года — Парижская национальная библиотека

Материалы

Материалы для творчества тоже менялись.

С раннего Средневековья и вплоть до XVI века рисунки в основном создавались на дощечках из букового дерева (размером с ладонь), которые грунтовали костяным порошком и иногда обтягивали пергаментом. Рисовали на них металлическим грифелем или штифтом, а из набора таких дощечек, связанных ремешками, создавали альбомы. До нашего времени дошло всего несколько таких альбомов.

Более утонченным (и дорогим) материалом для рисования считался пергамент, который делали из кожи. На протяжении многих веков пергаменту отводилась главенствующая роль при создании рисунка, но после изобретения бумаги он постепенно уступил свои позиции.

Бумага была и остается главным материалом для рисования и по сей день. Согласно легенде, она была изобретена в Китае более 2 тысяч лет назад (во II веке до н.э.). В течение первых пятисот лет после изобретения она получила широкое распространение в Азии (скажем, свое производство было в Корее и Японии), а после победы арабов над китайцами в Таласской битве секрет изготовления бумаги попадает на Ближний Восток (среди захваченных арабами пленных оказались мастера бумажного дела), а далее и в Старый Свет.

Главным центром бумажного производства в конце первого тысячелетия нашей эры был Самарканд, что сильно ограничивало использование этого материала в Европе — это была недешевая история. Кроме того, бумагу тогда делали из древесного луба — и ее качество оставляло желать лучшего: она была ломкой и рыхлой. Все это способствовало тому, что конце XI века в Европе изобрели свой метод создания бумаги — из льняных тряпок.

Несмотря на то, что первые сведения о применении бумаги в живописи относятся к XII веку (ко времени Теофила), широкое распространение среди художников она получила лишь спустя пару столетий — в XIV веке. Впрочем, великих живописцев той поры (речь идет об эпохе Проторенессанса) — Чимабуэ и Джотто — это не коснулось, они почти всю свою жизнь творили на пергаменте. Но уже в начале XV века художники новой волны отказываются от этого материала в пользу бумаги. Одним из первых среди них был итальянец Мазаччо.

Первая бумага мало чем походила на ту, что мы имеем сегодня: она была толстой, с шершавой поверхностью и требовала грунтовки. В XV веке технологии активно развивались, благодаря чему бумага становится крепче, но приобретает желтоватый оттенок. Чтобы забыть о грунтовке и избавиться от неприятного цвета бумаги, в ее состав стали примешивать светло-голубую краску. Так в конце XV века в Венеции появилась голубая бумага, которая особенно подходила для мягких живописных приемов и световых эффектов (например, для создания эффекта мерцающей луны).

В XVI веке цветная бумага становится крайне популярной и входит в моду: художники особенно ценят (как основу для своих рисунков) синюю, серую, светло-коричневую и розовую. Розовую бумагу часто используют в академиях для работы с обнаженной моделью.

К наиболее старым живописным работам на бумаге относится этюд головы (находится в Лувре), выполненный одним из художников школы Леонардо да Винчи. Упоминание бумаги мы находим и в сочинениях самого Леонардо. В одной из глав «Книги о живописи» есть такая строчка: «Ты пишешь свою картину на бумаге, натянутой на подрамнике. » К слову, бумага на подрамнике и сейчас является классикой жанра, минимальным рабочим набором любого художника.

© Автопортрет Жана Огюста Доминика Энгра, исполненный по просьбе студентов, 1835 год — Лувр

Инструменты

Выбор инструментов для рисования зависел от задач мастера. В основном их можно поделить на две основные категории: сухие инструменты (грифель, карандаш, уголь) и жидкие инструменты (кисть, перо).

У римлян в почете был металлический грифель, которым писали на вощеных дощечках. В Средние века художники массово перешли на свинцовый грифель — при его использовании на холсте появляются мягкие линии, которые очень легко стирать. Это стало безусловным преимуществом при создании предварительных набросков.

С XV века на смену свинцовому приходит серебряный грифель. Им рисовали исключительно на грунтованной и тонированной бумаге, а его использование требовало от художника чрезвычайной точности, так как штрихи не допускали правок: линии получались тонкими, четкими и не имели тона. Рисунок, исполненный таким грифелем, отличается строгостью форм и простотой. Серебряный грифель любили использовать в своих работах «мастера линии»: Гольбейн Младший, Ян ван Эйк, Рогир ван дер Вейден, Дюрер, Перуджино и Рафаэль.

Потеря интереса художников к серебряному грифелю была тоже вполне органичной: рисунок эволюционировал от линии к пятну, а следом эволюционировали и инструменты. Революцию произвел графитный карандаш. Что интересно, появился он еще в XVI веке, но первые прототипы этого инструмента были крайне низкого качества и не заинтересовали художников: они царапали бумагу и давали резкий металлический оттенок.

Широкое применение карандаш получил лишь сто лет спустя. Своей популярностью он обязан французскому живописцу (а также механику, химику и боевому офицеру) Николя Жаку Конте — в ходе одного из своих экспериментов в 1790 году ему удалось изменить состав карандаша: он добавил в него примесь глины и в результате получил оптимальную твердость грифеля. Таким образом, набор мастера рисунка сократился до трех основных предметов: карандаша Конте, белой бумаги и ластика.

Самым ярким мастером рисунка графитным карандашом той поры можно смело назвать Жана Огюста Доминика Энгра. Художник уделял особое внимание не контуру объекта, а игре света на его поверхности. Творения мастера были максимально продуманы и наполнены деталями. Однако и в работе графитным карандашом нашлось место экспериментам. Например, Тулуз-Лотрек и Валентин Серов создавали рисунки прерывистым штрихом и растушевкой.

Графитный карандаш был крайне востребован и вполне успешно уживался еще с одним популярным инструментом того времени — пером. В Средние века и во времена эпохи Возрождения художники носили его с собой в вертикальном поясном футляре вместе с чернилами. Перо (в отличие от металлического грифеля) давало больше выразительных возможностей. Нажимы, завитки, мощные контрастные штриховки позволяли сделать работу более экспрессивной — с помощью одного карандаша такого эффекта добиться практически невозможно. Перьевые рисунки есть у Рембрандта, Гварди, Тьеполо и Ван Гога.

Что касается материалов, то с IV века для этих целей в основном использовали гусиное перо, а с начала эпохи Возрождения в моду вошло (крайне сложное в использовании) тростниковое перо, малейший нажим на которое приводил к утолщению линии. Техникой рисования таким пером блестяще владел Рембрандт. В XVII веке в Англии появляется металлическое перо, которое постепенно вытесняет все остальные.

По рисункам пером можно проследить эволюцию европейского рисунка: сначала художники делали акцент на выразительности контурных линий, затем — на пластическом рельефе форм. Ко второй половине XIX века появляется импрессионистский рисунок, передающий общее впечатление, а не детали: для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но крайне важно — как это сделано.

В качестве жидкости для рисунка пером чаще всего использовали чернильный орешек, известный еще со Средних веков, затем в моду вошла китайская тушь из ламповой копоти, а с XVIII века — сепия, изготовляемая из чернильного мешка морских моллюсков (каракатицы или кальмара). С начала XIX века для рисунка стали использовать более привычные для нас анилиновые чернила и стальное перо.

Отдельным словом среди инструментов для рисования стоит отметить уголь и сангину. Главное отличие этой группы инструментов от всех остальных заключается в том, что они создают мягкую насыщенную линию. Сангина, то есть красный мел, добываемый из особой породы камня, пожалуй, самое древнее средство для рисования: в палеолитических пещерах животные (те, что в красном цвете) чаще всего «написаны» именно с помощью этого материала (см. первую иллюстрацию статьи).

Первым европейским художником, который активно использовал сангину в своих работах, был Леонардо да Винчи. Особого успеха в ее использовании достиг француз Антуан Ватто, чье творчество (отличающееся богатой тональностью), по мнению культурологов, стало прологом общеевропейского стиля рококо.

Что касается угля, то им пользовались еще греки-вазописцы, но затем он потерял актуальность и вышел из моды. Интерес к рисунку этим «инструментом» возобновился лишь в XV веке, когда было изобретено средство для фиксации изображения углем: бумагу смачивали клеевой водой, просушивали и подвергали пропариванию, после чего рисунок надежно приставал к бумаге. Такой же смелый прием, кстати, использовал Эдгар Дега, работая над знаменитыми «Голубыми танцовщицами», написанными пастелью. Если присмотреться — на картине можно разглядеть характерные водяные потеки.

© «Композиция № I» (Эскиз к панно «Танец»), Анри Матисс, 1909 год — ГМИИ имени А.С. Пушкина

Набросок. Эскиз. Этюд.

Безусловно, рисунок может быть самодостаточным произведением искусства. Но не менее важна и его роль как вспомогательного элемента при подготовке живописного произведения (или скульптуры). Под подготовительной работой, как правило, понимают три варианта рисунка: набросок, эскиз и этюд.

Прелесть наброска в его свежести и мимолетности. Набросок может быть как подготовительным, так и совершенно самостоятельным произведением. Это своего рода афоризм к моменту действительности. Мастерами наброска по праву считаются Пармиджанино, Гейнсборо, Рембрандт и Тьеполо.

Эскиз в свою очередь всегда носит подготовительный характер, учитывает все ключевые композиционные моменты будущего произведения: распределение света и тени, расположение фигур (см. эскиз одной из самых известных работ Анри Матисса — «Танец»). Эскиз может быть как обобщенным, так и учитывать все до мельчайших подробностей. Каждый художник подходит к его созданию по-своему. Леонардо обычно разрабатывал несколько эскизов, а потом выбирал лучший. Рафаэль, наоборот, усердно совершенствовал один и тот же вариант.

Этюд (или штудия) связан с изучением натуры. Если немного утрировать, суть этюда в наблюдении и поиске. Большой мастер этюдов Антуан Ватто накапливал подобные наблюдения в альбомах, не преследуя в момент их написания специальных целей, а впоследствии (когда «приходило время») возвращался к ним — и воплощал в полноценные произведения.

© «Портрет молодой девушки», Винсент Ван Гог, 1888 год — ГМИИ им. А.С. Пушкина

«Рисунок, рисунок, мой друг, и еще тысячу раз рисунок»

«Рисунок, рисунок, мой друг, и еще тысячу раз рисунок» — такие слова французский художник Давид постоянно твердил своим ученикам. У рисунка действительно есть неисчерпаемые стилистические и тематические возможности, которые позволяют художнику воплотить в жизнь самые сложные и глубокие переживания. В то же время рисунок уникален и тем, что является незаменимым «вспомогательным средством» живописца (и скульптора), позволяющим увидеть проект задуманного произведения на начальном этапе работы — ни одна другая художественная техника не может отозваться на творческий порыв так быстро.

На каждом этапе своего развития рисунок обладал особенностями, позволявшими тысячам художников по всему свету решать свои творческие задачи. Он всегда был востребован. В XV–XVI веках это выразилось в массовом интересе к четким границам и деталям; в XVII–XVIII столетиях акцент художников сместился в сторону пространства, света и воздуха; в XIX–XX веках рисунок стал полем для экспериментов. Происходило бесконечное смешение стилей и техник, а его результатом стала подлинная революция в мире живописи, в авангарде которой шли Анри Матисс, Казимир Малевич, Пабло Пикассо, Марк Шагал и другие великие мастера XX века.

Для справки

23 марта 2020 года в эфире телеканала «Россия-Культура» открылась выставка «От Дюрера до Матисса. Избранные рисунки из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина».

В таком формате экспозиция открылась впервые в истории музея. Генеральным спонсором проекта выступил банк ВТБ.

Трансляцию виртуального вернисажа и все серии проекта «Открытый музей» можно найти по ссылке.

Источник