Что изобрел английский художник уильям харбутт
«Отличный подарок для гения или двоечника»: кто изобрёл пластилин и почему нельзя заставлять ребёнка лепить
Жизнь современного ребёнка нельзя представить без пластилина или теста. Они развивают мелкую моторику, способствуют развитию фантазии и, наконец, дают родителям спокойно пообедать. Но ещё 150 лет назад пластилина просто не существовало в природе. Лиса Лелькова рассказывает, как он появился и почему стал настолько популярным. А художник Алексей Микулин даёт советы, как заинтересовать лепкой ребёнка.
Кто придумал пластилин и почему изначально он был серым
Вопрос о том, кто именно изобрёл традиционный пластилин, до сих пор остаётся не до конца решённым. Модельную массу под названием «Plastilin», первым запатентовал немецкий фармацевт Франц Колб (Franz Kolb) в 1880 году. По другой версии, прототип современного пластилина и вовсе придумал 27-летний американец Джо Маквикер только в 1956. Первоначально вещество было изобретено для ремонта и очистки обоев от пятен. Но сестра Маквикера, работавшая воспитателем в детском саду, догадалась найти пластичному и безопасному материалу применение среди детей.
Сколько бы теорий ни было, официальный титул создателя пластилина закреплён за Уильямом Харбуттом, который родился в 1844 году и после окончания Королевского колледжа искусств в Лондоне работал там же учителем рисования. В 1874 он был назначен директором школы искусств и дизайна, а в 1877 году уже вместе с женой, тоже талантливой художницей, открыл собственную художественную школу.
В те времена студенты-скульпторы использовали глину, которая при этом быстро высыхала и покрывалась корочкой. Уильям решил самостоятельно найти ей замену. Спустя несколько сотен проб и экспериментов с различными веществами, в 1897 году, Харбутт наконец обнаружил, что идеальную комбинацию дают смесь мела, вазелина и стеариновой кислоты. Эту массу легко было размять руками, при нагреве она размягчалась и плавилась, а главное — не высыхала и сохраняла пластичные свойства.
В 1899 году Уильям Харбутт запатентовал «незасыхающую глину Plasticine»
Поначалу изобретение использовали лишь в образовательных целях, но слава о нём быстро разошлась по городу, в результате чего к Харбутту выстроилась вереница художников и скульпторов в надежде заполучить немного чудо-массы. Наибольшее впечатление пластилиновые игры производили на его шестерых детей. В результате было принято решение поставить учебный эксперимент на коммерческие рельсы.
После получения патента Харбутт запустил фабрику по производству «пластицина», который рекламировал как «чистый, безвредный и вечно пластичный модельный материал… для профессиональных скульпторов, любителей, детей и взрослых. Отличный подарок для любого ребенка, гения или двоечника».
Оригинальный пластилин, предложенный студентам, был скучного серого цвета, но после открытия фабрики в 1900 году его догадались красить пигментами. В итоге поколение художников, архитекторов, инженеров и, само собой, детей начала 20 века росло уже на знакомом нам пластилине. Сам Сальвадор Дали в течение жизни создавал пластилиновые модели своих полотен и писал с них. При помощи пластилина создавались военные карты, модель первого космического скафандра и самолётов, рабочие экспонаты для музеев и стоматологов.
Следом материал пришёл в мультипликацию. В России самые популярные мультфильмы создал Александр Татарский, автор знаменитой «Пластилиновой вороны», выпущенной в 1981 году. Мировую известность получила серия фильмов и сериал британского режиссёра Ника Парка о приключениях Уоллеса и Громита, также созданные в жанре пластилиновой анимации.
Чем пластилин так хорош
Польза пластилина для современного детского творчества неоспорима: он развивает мелкую моторику рук, пространственное мышление, чувство цветов, усидчивость, визуальную память, фантазию. Художник Алексей Микулин остаётся верным этому материалу на протяжении нескольких десятилетий. Он создаёт кропотливые, впечатляющие по размерам работы со сценками уютного быта, жизни больших и маленьких городов.
Родителям начинающих пластилиновых гениев Алексей советует организовать для ребёнка стационарное рабочее место с устойчивой, надёжной поверхностью не меньше чем метр на полметра. Это пространство должно всегда быть удобно ребёнку и стимулировать его к постоянной работе через творчество. Родителям важно принимать процесс и не бороться за совершенство изделий.
Какого бы ребёнок ни сделал колобка, не стоит говорить ему, что нужно бы слепить колобка получше
Важно, чтобы ребёнок вошёл во вкус и сделал множество своих собственных колобков или чего угодно другого, что привлекает его внимание в повседневной жизни. Ведь образцом для поделки может стать любая деталь.
Следом ребёнок уже сможет придумывать сценки и через них самостоятельно замечать, что можно поправить в своих работах. Игровая составляющая в занятиях лепкой очень часто опускается, что в корне неверно. Именно на ней должен быть акцент и именно через неё ребёнок будет развиваться и последовательно улучшать и приумножать поделки.
Подбирая материал, отдавать предпочтение иностранным пластилинам смысла нет: Алексей считает, что по вязкости и другим характеристикам аналоги уступают классическому российскому пластилину. Он совсем не изменился со времён его детства — только стал ярче, а палитра — богаче. Возможно, какие-то зарубежные образцы могут быть чище по экологическому составу, но лепить из них в любом случае сложнее. Главное же преимущество российского пластилина, зачастую недооцененное, в том, что это многоразовый материал. Все несовершенства можно переделать, а из старой поделки — сделать новую.
Как слепить из пластилина целый сад
Лепить из пластилина хорошо тем, что самые сложные композиции и работы состоят из простых деталей. Алексей Микулин показывает на своих пластилиновых скульптурах, что любая визуально сложная композиция в сути своей всегда состоит из простейших элементов: набора колбасок, шариков, кирпичиков. Из них можно воплотить и всё реальное, и фантастическое.
Так, одним из самых грандиозных и оригинальных пластилиновых проектов считается британский сад телеведущего Джеймса Мэя. В 2009 году за 6 недель он выстроил 35 квадратных метров, сплошь озеленённых пластилиновыми растениями в натуральную величину: кустами, плодовыми деревьями, овощами, ягодами и цветами всех сортов, от маков до нарциссов, под которыми ютились насекомые и ёжики. Сорняков и вредителей не появлялось, цветы не увядали, а над выращиванием сада из 2,6 тонн материала трудились сам Мэй и около 2 тысяч помощников, многими из которых были дети.
Сегодня в магазине можно найти не только обычный пластилин, но и его вариации — от съедобного теста для лепки до «умного пластилина». В состав первого обычно входят мука, растительные масла и большая доля соли: одним словом, едва ли он покажется ребёнку вкусным, но зато не будет вредным.
Умный пластилин, также известный как хэндгам (от англ. handgum — жвачка для рук), был придуман в Шотландии ещё в 1943 году и внешне напоминает большую жевательную резинку без запаха, вкуса или намерения липнуть к рукам. В основе хэндгама содержится нетоксичный силикон, который не рвётся, не ломается, иногда меняет цвет или даже магнитится и светится, а при длительном интервале превращается в жидкость, но при лепке вновь принимает форму и ненадолго застывает.
Как сделать пластилин дома
Самым увлечённым можно даже приготовить домашний пластилин. И по силам это даже ребёнку.
Что нужно, чтобы приготовить пластилин дома:
Соль нужно растворить в кастрюле нагретой воды, затем снимите с огня и после охлаждения добавьте остальные ингредиенты, замесив всё до однородной массы. При желании можно добавить 1 столовую ложку лимонной кислоты, чтобы ребёнок не перепробовал весь пластилин из кастрюли на вкус. Хранить его следует в холодильнике в герметичном контейнере или плёнке около 2 месяцев.
Содержание
Ранние годы
Карьера
Он был директором Батская школа искусства и дизайна с 1874 по 1877 год, [6] а затем открыл свою художественную школу в The Paragon Art Studio, 15 Bladud Buildings, [7] Баня с женой Элизабет (Бесси), известной миниатюрный портрет художник, выставивший работы на Королевская Академия Художеств и Всемирная выставка в Чикаго, а в 1887 г. по заказу Королева Виктория делать портреты себя и своего покойного мужа Принц Альберт. [6]
Пластилин
Харбут изобрел Пластилин около 1897 года в качестве невысыхающей глины для лепки для использования его учениками. В то время он жил в Hartley House, 37 Belvedere, Lansdown Road, Bath, BA1 3PB; позже переехал в The Grange, High Street, Bathampton. В 1899 году Харбут был награжден торговая марка, а в 1900 г. открылась фабрика на соседнем Bathampton производить продукт для коммерческой продажи. Харбутт много путешествовал, чтобы продвигать продукт и свои теории о преподавании искусства, разрешая детям свободное самовыражение.
Личная жизнь
Харбутт также был советником на Баня сельский округ совет и Bathampton приходской совет. Он был членом Общества Новой Церкви Бата, которое следовало учениям Эмануэль Сведенборг, [6]
У него и Бесси было семеро детей, шестеро из которых пережили младенчество и работали в семейном бизнесе. Компания Harbutt, которой владеют и управляют потомки Harbutt, продолжала производить пластилин в Бэтхэмптоне до 1983 года.
Смерть
Он умер от пневмония во время поездки в Нью-Йорк в 1921 г.
Мемориалы
В Рай в пластилиновом саду, творение журналиста и ведущего Джеймс Мэй представленный на Цветочной выставке в Челси в 2009 году, включал бюст Харбата, созданный Джейн МакАдам Фрейд. [8]
В 2009 году его родной город Норт-Шилдс попытался увековечить его наследие, заказав уличную мебель из бетона, напоминающую пластилиновую форму и цвет. [9] К сожалению, их пришлось удалить вскоре после установки из-за жалоб общественности, [10] [11] так как уличная мебель задерживает лужи воды на сиденьях после дождя, делая их непригодными для использования или промокнув пользователя. Вдобавок они были неудобными или практичными, и пожилым или немощным представителям общественности было очень проблематично попасть туда и обратно. «Пластилиновые» стулья были перемещены по всему региону в менее коммерческие районы, в том числе на территорию местного шестиклассного колледжа, и перекрашены с простых пластилиновых цветов на различные цветовые схемы и рисунки. Они остаются на месте (если используются редко или заняты). Традиционная металлическая уличная мебель заменила пластилиновую мебель в центре города, где он родился.
Содержание
Ранние годы
Карьера
Он был директором Батская школа искусства и дизайна с 1874 по 1877 год, [6] а затем открыл свою художественную школу в The Paragon Art Studio, 15 Bladud Buildings, [7] Баня с женой Элизабет (Бесси), известной миниатюрный портрет художник, выставивший работы на Королевская Академия Художеств и Всемирная выставка в Чикаго, а в 1887 г. по заказу Королева Виктория делать портреты себя и своего покойного мужа Принц Альберт. [6]
Пластилин
Харбут изобрел Пластилин около 1897 года в качестве невысыхающей глины для лепки для использования его учениками. В то время он жил в Hartley House, 37 Belvedere, Lansdown Road, Bath, BA1 3PB; позже переехал в The Grange, High Street, Bathampton. В 1899 году Харбут был награжден торговая марка, а в 1900 г. открылась фабрика на соседнем Bathampton производить продукт для коммерческой продажи. Харбутт много путешествовал, чтобы продвигать продукт и свои теории о преподавании искусства, разрешая детям свободное самовыражение.
Личная жизнь
Харбутт также был советником на Баня сельский округ совет и Bathampton приходской совет. Он был членом Общества Новой Церкви Бата, которое следовало учениям Эмануэль Сведенборг, [6]
У него и Бесси было семеро детей, шестеро из которых пережили младенчество и работали в семейном бизнесе. Компания Harbutt, которой владеют и управляют потомки Harbutt, продолжала производить пластилин в Бэтхэмптоне до 1983 года.
Смерть
Он умер от пневмония во время поездки в Нью-Йорк в 1921 г.
Мемориалы
В Рай в пластилиновом саду, творение журналиста и ведущего Джеймс Мэй представленный на Цветочной выставке в Челси в 2009 году, включал бюст Харбата, созданный Джейн МакАдам Фрейд. [8]
В 2009 году его родной город Норт-Шилдс попытался увековечить его наследие, заказав уличную мебель из бетона, напоминающую пластилиновую форму и цвет. [9] К сожалению, их пришлось удалить вскоре после установки из-за жалоб общественности, [10] [11] так как уличная мебель задерживает лужи воды на сиденьях после дождя, делая их непригодными для использования или промокнув пользователя. Вдобавок они были неудобными или практичными, и пожилым или немощным представителям общественности было очень проблематично попасть туда и обратно. «Пластилиновые» стулья были перемещены по всему региону в менее коммерческие районы, в том числе на территорию местного шестиклассного колледжа, и перекрашены с простых пластилиновых цветов на различные цветовые схемы и рисунки. Они остаются на месте (если используются редко или заняты). Традиционная металлическая уличная мебель заменила пластилиновую мебель в центре города, где он родился.
Харбутт, Уильям
| Уильям Харбутт | |
|---|---|
| англ. William Harbutt | |
 | |
| Дата рождения | 13 февраля 1844 ( 1844-02-13 ) |
| Место рождения | Норт Шилдс, Тайн-энд-Уир, Нортамберленд Англия |
| Дата смерти | 1 июня 1921 ( 1921-06-01 ) (77 лет) |
| Место смерти | Нью-Йорк США |
| Подданство |  |
| Род деятельности | художник, изобретатель |
Биография
Родился седьмым из восьми детей мастера гальванических работ на верфи. После окончания Королевского колледжа искусств в Лондоне, которой руководил Ричард Бурчетт, был оставлен там же, работал учителем рисования.
В 1874 году был назначен директором школы искусств и дизайна в Бате, в 1877 году вместе со своей талантливой женой художницей открыл свою собственную художественную школу.
Студенты школы занимались лепкой, используя глину. Глина — материал тяжелый для учащихся, липнущий к рукам и быстро высыхающий. Поэтому, Харбутт в 1890-х годах (1895 или 1897) придумал невысыхающую глину для лепки и назвал ее пластицином. Новый материал не высыхал так быстро как глина, был нетоксичным и чрезвычайно податливым, хотя его точный состав до сих пор хранится в тайне.
В 1899 году У. Харбутт получил патент на своё изобретение, коммерческое производство началось в Батэмптоне в 1900 году.
Первоначально серого цвета, по мере того, как популярность пластицина среди детских игрушек росла, он расширил диапазон цветов. Пластилин У. Харбутта выпускался в Батамптоне до 1983 года.
Немцы утверждают, что пластилин (и само это слово тоже) придумал немецкий фармацевт Франц Колб в 1880 году и защитил своё изобретение патентом. Промышленное производство пластилина начали в Германии в 1900 году. [1] [ источник не указан 512 дней ]
У. Харберт много путешествовал, чтобы внедрить своё изобретение в других странах. Умер от пневмонии во время поездки в Нью-Йорк в 1921 году.
Как художник экспонировал свои работы в Королевской академии изящных искусств и на Всемирной Колумбовой выставке 1893 года в Чикаго, автор портретов, в том числе, королевы Великобритании Виктории и её мужа Альберта, выполненные по заказу самой королевы.
Английские художники. 6 мастеров, покоривших мир
Художники какой страны внесли особый вклад в развитие мировой живописи?
При таком вопросе часто вспоминают французских художников. Еще голландцев. А уж влияние итальянского Возрождения и вовсе ни у кого не вызывает сомнения.
Но вот если брать 18 век и начало 19-го, то важно отметить заслуги английских художников.
В этот период в стране туманного Альбиона работает несколько ярких мастеров, которые изменили в корне мировое искусство.
1. Уильям Хогарт (1697-1764 гг.)
Хогарт жил в непростое время. В начале 18 века в Англии только-только зародилось буржуазное общество, которое пришло на смену феодальному.
Моральные ценности были ещё зыбкими. На полном серьезе достоинствами считались корыстолюбие и обогащение любыми путями. Прямо как в 90-ые года 20 века в России.
Хогарт решил не молчать. А попытался открыть глаза своим соотечественникам на упадок моральных ценностей. С помощью картин и гравюр.
Начал он с серии картин «Карьера проститутки». К сожалению, живописные полотна не сохранились. Остались только гравюры.
Уильям Хогарт. Карьера проститутки: в ловушке у сводницы. Гравюра. 1732 г.
Это реальная история о деревенской девушке Мэри, которая приехала в город искать счастья. Но попала в лапы старой сводни. Эту сцену мы и видим на первой гравюре. Став содержанкой, она провела свою недолгую жизнь среди изгоев общества.
Хогарт намеренно переводил свои картины в гравюры, чтобы широко их распространять. Так он стремился достучаться до как можно большего количества людей.
Причем предостеречь он хотел не только бедных девушек, таких как Мэри. Но и аристократов. Судя по его серии работ «Модный брак».
Описанная в ней история была очень типична для того времени. Обедневший аристократ женится на дочери богатого торговца. Но это лишь сделка, не подразумевающая союза сердец.
Самая известная картина из этой серии «Тет-а-Тет» демонстрирует всю пустоту их отношений.
Уильям Хогарт. Модный брак. Тет-а-Тет. 1743 г. Национальная лондонская галерея
Жена всю ночь веселилась с гостями. А муж лишь под утро ввалился домой, опустошенный от разгула (судя по его пятну на шее, он уже болен сифилисом). Графиня небрежно подтягивается и вот-вот зевнёт. На ее лице читается полное равнодушие к мужу.
И не удивительно. Она завела интрижку на стороне. История закончится печально. Муж застанет жену в постели с любовником. И будет заколот шпагой в дуэли. Любовник будет отправлен на висилицу. А графиня покончит с собой.
Хогарт не был просто карикатуристом. Слишком высоко его мастерство. Сложные и гармоничные сочетания цветов. А ещё невероятная выразительность. Вы легко «читаете» его картины, понимая, каковы отношения между людьми.
Заслуги Хогарта сложно переоценить. Ведь он изобрёл критический реализм. Никто до него никогда не изображал в живописи столько конфликтов и социальных драм.
Хогарт вдохновил Франсиско Гойю к созданию его знаменитых Капричос. Его хорошо знали наши русские художники-передвижники. Под его влиянием создавая свои полные социальной критики картины.
2. Джошуа Рейнольдс (1723-1792 гг.)
Мало на свете живописцев, искупавшихся в лучах славы при жизни. И при этом сумевших остаться в памяти потомков. Английский художник Джошуа Рейнольдс был одним из таких счастливчиков.
Он с детства знал, что хочет только рисовать. Быстро добился признания. Ведь в придачу к таланту у него был подходящий характер. Общительный и энергичный. Он легко покорял клиентов во всех отношениях.
Ничего удивительного, что Рейнольдс однажды стал самым влиятельным чиновником в мире искусства. В 45 лет он был избран Президентом Королевской Академии художеств.
Джошуа Рейнольдс. Портрет полковника Бенестра Тарлитона. 1782 г. Национальная лондонская галерея
С помощью подходящего костюма, обстановки или пейзажа, выражения лица и позы Рейнольдс умел раскрывать самые выгодные качества человека.
Таков и портрет полковника Тарлитона.
Человек деятельный, по-настоящему отважный как нельзя лучше «читается» на фоне раздувающегося знамени и клубов дыма. А движение вытягивания шпаги удачно скрывает руку с потерянными в бою пальцами.
В женских портретах Рейнольдс, конечно, делал акцент на нежность и красоту. Но и про характер героини не забывал.
Джошуа Рейнольдс. Герцогиня Харрингтон. 1779 г. Галерея Хантингтон, Сан-Марино, США
Сразу понятно, что герцогиня Харринтгтон – самоуверенная особа. Но художник смягчает это подобающим пейзажем и платьем. Такой даме уверенность явно к лицу.
В последние годы жизни он плохо видел. И уже не притрагивался к кисти. Но от одного заказа он не смог отказаться. Его клиенткой стала Екатерина II.
С тех пор в Эрмитаже хранится несколько поздних работ Рейнольдса. В том числе «Венера и Амур».
Джошуа Рейнольдс. Амур развязывает пояс Венеры. 1788 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург
У Венеры мы видим нетривиальный по-рейнольдски жест. Она смущена от обращённых на неё взглядов.
По картине хорошо видно, как Рейнольдс талантливо копировал достижения старых мастеров. Тёплые и глубокие цвета Тициана. Томные, мягкие линии Рубенса.
Рейнольдс не стал изобретать велосипед. Но он установил очень высокие стандарты для всех европейских художников.
3. Томас Гейнсборо (1727-1788 гг.)
Гейнсборо можно по праву назвать самым известным английским художником 18 века. Он жил в одно время с Рейнольдсом. Они были соперниками.
Разница между Рейнольдсом и Гейнсборо видна невооруженным взглядом. У первого – красные, золотые оттенки; величественные, торжественные образы.
У Гейнсборо серебристо-голубые и оливково-зеленые оттенки. А также воздушные и интимные портреты.
Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Все это мы видим в портрете «Дама в голубом». Никакого накала эмоций. Лишь прекрасный, нежный образ. Чтобы добиться такого эффекта, Гейнсборо работал тонкой кистью почти 2-х метровой длины!
Гейнсборо всегда считал себя в первую очередь пейзажистом. Но необходимость зарабатывать вынуждала его писать портреты на заказ. По иронии судьбы он прославился и остался в истории именно как портретист.
Но художник шёл на компромисс с самим собой. Часто изображая портретируемых на лоне природы. Соединяя ненавистный портрет и любимый пейзаж.
Томас Гейнсборо. Портрет мистера и миссис Халлет (Утренняя прогулка). 1785 г. Национальная лондонская галерея
Клиенты не могли определиться, какой из двух портретистов им больше импонируют. И аристократы заказывали портреты и у Рейнольдса, и у Гейнсборо. Они были слишком разными. Но по силе работ не уступали друг другу.
Но в отличие от Рейнольдса, его соперника привлекали ещё простые люди. С одинаковым азартом он писал и герцогиню, и простолюдинку.
Томас Гейнсборо. Девочка со свиньями. 1782 г. Частная коллекция
Его картину «Девочки с поросятами» Рейнольдс обменял у одного коллекционера на имеющуюся у него картину Тициана. Считая, что это лучшая работа его соперника.
Работы Гейнсборо неповторимы по своему качеству. Здесь и неспрятанные мазки, которые на расстоянии делают происходящее живым и дышащим.
Это и плавные, растушеванные линии. Как будто все происходит во влажном воздухе, каким он и является в Англии.
И, конечно, необычное сочетание портрета и пейзажа. Все это выделяет Гейнсборо среди множества других портретистов своего времени.
4. Уильям Блейк (1757-1827 гг.)
Уильям Блейк был неординарной личностью. С детства его посещали мистические видения. А когда он вырос, то стал анархистом. Он не признавал законы и мораль. Считая, что так угнетается свобода человека.
Не признавал он и религии. Считая ее главным ограничителем свобод. Конечно, такие взгляды отражались на его работах. «Архитектор мира» – его резкий выпад в сторону христианства.
Уильям Блейк. Великий архитектор. Офорт, раскрашенный вручную. 36 х 26 см. 1794 г. Британский музей, Лондон
Создатель держит циркуль, вычерчивая границы для человека. Границы, через которые нельзя переступать. Делая наше мышление ограниченным, живущим в узких рамках.
Для его современников его работы были слишком неординарными, поэтому признания при жизни он так и не дождался.
Некоторые видели в его работах пророчества, грядущие потрясения. Воспринимая Блейка как блаженного, человека не в себе.
Но официально сумасшедшим Блейк никогда не признавался. Он всю жизнь плодотворно работал. Причём был мастером на все руки. Был и отменным гравёром. И гениальным иллюстратором. Создав невероятные акварели для «Божественной комедии» Данте.
Уильям Блейк. Вихрь любовников. 1824-1727 гг. Иллюстрация к «Божественной комедии» Данте
Единственое, что Блейка роднило с его эпохой, так это мода на все ужасное и сказочное. Все-таки в Англии в 19 веке были в чести романтизм и сказочные мотивы.
Поэтому его картина «Дух блохи» вполне вписывалась в общий ряд работ тех лет.
Уильям Блейк. Призрак блохи. 1819 г. Темпера, золото, дерево. 21 х 16 см. Тейт Британия, Лондон
Блейк уверял, что видел душу человека-кровопийцы. Но та была помещена в крошечную блоху. Если бы эта душа поселилась в человека, то пролилось бы немало крови.
Блейк явно родился раньше своего времени. Его работы пугающе похожи на работы символистов и сюрреалистов 20 века. Они и вспомнили об этом мастере 100 лет спустя после его смерти. Он сделался их кумиром и вдохновителем.
5. Джон Констебл (1776-1837 гг.)
Несмотря на аристократическую внешность, Констебль был сыном мельника. И любил работать руками. Умел пахать, строить изгороди и рыбачить. Может быть, поэтому его пейзажи лишены пафоса. Они естественны и реалистичны.
До него художники писали абстрактные пейзажи, чаще итальянские. Но Констебль писал конкретную местность. Реально существующую речку, коттедж и деревья.
Джон Констебль. Телега для сена. 1821 г. Национальная лондонская галерея
Его «Телега для сена» – самый знаменитый английский пейзаж. Именно эта работу когда-то увидела французская публика на Парижской выставке 1824 года.
Особенно были впечатлены молодые импрессионисты. Которые разглядели в этой картине то, к чему сами стремились. Никакой академической помпезности. Никаких античных развалин и эффектных закатов. А лишь обыденная жизнь в сельской местности. Красивая в своей естественности.
После этой выставки Констебль продал в Париже аж 20 своих картин. В родной же Англии его пейзажи почти не покупали.
Но в отличие от Гейнсборо, ради заработка он редко переключался на портреты. Продолжая совершенствоваться именно в пейзажной живописи.
Для этого он изучал природные явления с научной точки зрения. И умел подбирать оттенки очень близкие к тем, что встречаются в природе. Особенно ему удавалось небо, контрасты светлых и темных облаков.
Джон Констебль. Кафедральный собор Солсбери. Вид из епископского сада. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк
Но Констебль знаменит не только удивительно реалистичными картинами. Но и своими этюдами.
Художник создавал этюд того же размера, что и будущая картина. Работая прямо на открытом воздухе. Это было ноу-хау. И именно этот метод работы потом и подхватят импрессионисты.
Джон Констебл. Лодка и штормовое небо. 1824-1828 гг. Королевская Коллекция живописи, Лондон
Но Констебль по этим этюдам часто писал завершённые работы в студии. Хотя они больше нравились тогдашней публики, были они не такими живыми и полными движения, как наброски.
На Родине осознали величие Констебля лишь в 20 веке. И поныне он – один из самых любимых художников в Англии. Можно сказать, что с таким же трепетом русские относятся к Ивану Шишкину.
6. Уильям Тёрнер (1775-1851 гг.)
Английский художник Уильям Тернер ещё в молодости сумел прославиться и стать академиком художеств. Почти сразу его стали называть «художником света». Потому что солнце часто присутствовало на его полотнах.
Если вы посмотрите пейзажи других художников, то вы редко увидите солнце. Оно слишком яркое.
Эту яркость сложно изображать. Она же бьет в глаза. Искажает все вокруг. Но Тернер этого не боялся. Рисуя солнце и в зените, и на закате. Смело обволакивая его светом все вокруг.
Уильям Тёрнер. Порт в Дьеппе. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк, США
Но Тернер хоть и был академиком и своим званием дорожил, не мог не экспериментировать. Слишком у него был неординарный и подвижный ум.
Поэтому уже через пару десятилетий его работы сильно эволюционировали. В них все меньше деталей. Все больше света. Все больше ощущений.
Одно из самых известных полотен того времени – «Последний рейс корабля «Отважный».
Здесь мы видим немного аллегории. Парусные корабли заменяются паровыми. Одна эпоха сменяет другую. Солнце заходит, а на его смену выходит месяц (слева вверху).
Уильям Тернер. Последний рейс корабля «Отважный». 1838 г. Национальная лондонская галерея
Здесь солнце по-прежнему главенствует. Закат занимает добрую половину картины. А уже в последующих работах художник доходит почти до абстракционизма. Гипертрофируя все свои прежние устремления. Убирая детали, оставляя лишь ощущения и свет.
Уильям Тёрнер. Утро после потопа. 1843 г. Музей Тэйт, Лондон
Как вы понимаете, публика не могла по достоинству оценить такие работы. Королева Виктория отказалась производить Тернера в рыцари. Репутация пошатнулась. Все чаще были слышны в обществе намеки на сумасшествие.
Такова доля всех настоящих художников. Он делает слишком широкий шаг вперёд. И публика «догоняет» его лишь десятилетия, а то столетия спустя. Так и случилось с великим Тернером.
7. Прерафаэлиты
Говоря об английских художниках, сложно обойти стороной прерафаэлитов. Тем более, что в 21 веке они стали очень популярны.
Откуда же взялась такая любовь к этим художникам?
Начинали прерафаэлиты с высоких целей. Они хотели найти выход из тупика академической, слишком застылой живописи. Им надоело писать малоизвестные широкой публике мифы и исторические сюжеты. Хотели показывать настоящую, живую красотку.
И прерафаэлиты начали писать женские образы. Получались они у них очень красивыми и притягательными.